Scène à Scène

«Billw Twinkle, Requiem for a Golden Boy»

2010-04-29T11:01:00.000-07:00

« Billy Twinkle, Requiem for a Golden Boy » raconte l’histoire d’un marionnettiste d’âge mûr donnant des spectacles sur un bateau de croisière avant de se faire mettre à la porte. Déchu, Billy est prêt à se jeter dans les flots. Or, l’ombre de son mentor, Sid Diamond, vient le hanter et lui fait revivre les étapes de son apprentissage de l’art de la marionnette pour raviver sa passion.

Ronnie Burkett, grand marionnettiste canadien, est un magicien, un vrai! Avec un contrôle total sur ses doigts et sur sa voix, Burkett présente au public ses marionnettes toutes plus éclatées les unes que les autres dans un décor de bateau de croisière. Drôle, déluré et flamboyant, Burkett offre deux heures d’émerveillement. Conçues par l’artiste, les différentes marionnettes ne cessent de nous surprendre par leur aspect physique et leur langage. Elles amènent, chacune à leur façon, du glamour au décor pailleté également conçu par l’artiste. Ce dernier fait preuve d’un imaginaire et d’une dextérité impressionnante. Donné en anglais, le spectacle est un moment intimiste de virtuosité et de simple bonheur.

ANDRÉE-ANNE BRUNET
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«Billy Twinkle, Requiem for a Golden Boy»
5e salle de la Place des Arts
De et avec Ronnie Burkett
22 avril au 1e mai 2010

Les Belles-Soeurs

2010-04-09T08:46:00.000-07:00

40 ans après sa création au Théâtre d’Aujourd’hui, les «Belles-Soeurs» de Michel Tremblay reprennent d’assaut le théâtre de la rue St-Denis. 40 ans après leur naissance, les femmes de Tremblay sont toujours aussi énergiques, vraies et actuelles. René Richard Cyr s’approprie l’univers d’un des plus grands dramaturges québécois de tous les temps et s’entoure de 15 grandes comédiennes pour faire revivre cette pièce d’anthologie. Mais pas de n’importe quelle façon : en chansons!

En 2010, les «Belles-Soeurs» chantent leurs cœurs, leurs drames et leurs âmes sur une musique signée par le grand Daniel Bélanger. Et elles sont justes pour le plus grand bonheur de nos oreilles! Comédiennes à la base, c’est une autre facette d’elles que nous découvrons et qui nous charme. Dans un style musical intemporel, avec des objets du quotidien, elles chorégraphient leurs malheurs de façon ludique et touchante.

Il faut souligner la performance à faire frissonner de Maude Guérin dans le rôle de Pierrette Guérin qui pleure ses déboires avec une contenance déroutante. Le trio composé d’elle, de Marie-Thérèse Fortin et de Guylaine Tremblay transpire le talent et leur joie d’être sur scène et de porter cette histoire est palpable.

Retrouver les «Belles-Soeurs» en chansons est un délice et un témoignage des talents multiples que nous avons au Québec. Revisiter cette œuvre aujourd’hui, c’est s’offrir une soirée électrique avec des personnages incroyablement touchants mais c’est également mieux comprendre la force des femmes ayant construit notre belle province.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Belles-Soeurs

Avec Marie-Thérèse Fortin, Guylaine Tremblay,

Maude Guérin, Sylvie Ferlatte, Kathleen Fortin,

Michelle Labonté, Suzanne Lemoine, Christiane Proulx,

Hélène Major, Dominique Quesnel, Monique Richard,

Édith Arvisais, Marie-Evelyne Baribeau,

Maude Laperrière & Janine Sutto

Mise en scène de René Richard Cyr

Musique de Daniel Bélanger

Théâtre d’Aujourd’hui

29 mars au 1 mai 2010

El 12

2010-04-09T08:43:00.000-07:00

La quatrième création de la jeune compagnie La Otra Orilla (traduction française : L’autre rive) propose une variation sur notre rapport au temps : les 12 mois de l’année, les 12 chiffres sur un cadran et surtout, les 12 rythmiques dans le flamenco. Après avoir étudié et approfondi l’art de cette danse en Andalousie, Myriam Allard revient au Québec avec l’envie de témoigner d’un flamenco contemporain. Exit les robes à pois et les fleurs dans les cheveux : Allard arbore différents costumes au fil des six tableaux du spectacle et s’amuse avec les trois musiciens et le chanteur qui ne font pas partie du décor mais bien de l’histoire. Pour compléter l’enveloppe du spectacle, la compagnie intègre pour la première fois depuis sa création des projections vidéo. Ces dernières sont subtiles mais bien utilisées et ajoutent de la fantaisie à «El 12».

Il faut se laisser aller durant un spectacle de danse pour saisir la beauté des mouvements. Personnellement, il m’a été difficile d’embarquer totalement dans les propositions de «El 12». Je reconnais la maîtrise de la technique de la jeune danseuse et en m’appuyant sur la longue ovation que les artistes ont reçue à la fin du spectacle, je vais mettre mon absence d’émotion sur mon manque de sensibilité face au flamenco contemporain. Malgré cela, dans cette quatrième production, La Otra Orilla témoigne certainement des qualités de recherche et de maîtrise et promet de belles surprises pour les années à venir.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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El 12

De la compagnie La Otra Orilla

Avec Myriam Allard à la danse, Hedi (El Moro) Graja au chant

& Caroline Planté, Kraig Adams et Éric Breton à la musique

Cinquième salle de la Place des Arts

31 mars au 17 avril 2010

Icaro

2010-03-22T10:53:00.000-07:00

Créé il y a 10 ans, joué à plus de 700 reprises en six langues, «Icaro» revient au Québec avec son auteur et acteur orignal, le suisse Daniele Finzi Pasca. «Icaro» est la rencontre entre deux compagnons de chambre dans un hôpital. L’un est là depuis 3 ans, l’autre est arrivé depuis peu. Pour oublier leur situation, ils entreprennent un voyage imaginaire, une fuite durant laquelle les personnages ont besoin de l’un et l’autre pour arriver à leurs fins.

La pièce a été conçue pour un seul spectateur. C’est ce que Finzi Pasca nous révèle au début du spectacle, durant son prologue. Et ce spectateur, c’est en fait une personne du public choisie par Finzi Pasca, qui est invitée à s’improviser comédien le temps de la représentation. Durant 90 minutes, un inconnu prend non seulement part au monde clownesque de l’acteur suisse, mais il le crée au même titre que Finzi Pasca. Le comédien improvisé n’a que deux consignes : ne pas poser de question et ne pas utiliser ses jambes. Une expérience incroyable à vivre et exceptionnelle à voir.

«Icaro» est un tour de force de Daniele Finzi Pasca qui s’adapte et joue avec son invité d’un soir. Il a créé des personnages d’antihéros plein d’espérance avec lesquels le spectateur se sent à l’aise de partager intimité et rêves. L’ambiance musicale, les jeux d’éclairages et la folie du créateur suisse offrent des images époustouflantes aux spectateurs. Il suffit d’avoir ses yeux d’enfants et on souhaiterait que la fuite ne cesse jamais…

Daniele Finzi Pasca fait du théâtre pour faire pleuvoir dans les yeux des autres. Avec «Icaro», c’est mission accomplie!

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Icaro
Usine C
De et avec Daniele Finzi Pasca
16 mars au 3 avril 2010

Huis Clos

2010-03-22T10:50:00.000-07:00

Dans la poursuite de sa mission de monter les classiques d’hier et d’aujourd’hui, le Théâtre du Nouveau Monde présente l’œuvre d’un célèbre philosophe français du XXe siècle; Jean-Paul Sartre. Crée en 1944, «Huis Clos» met en scène trois personnes se retrouvant en enfer. Chacune d’elle devient, au fil des minutes, le bourreau de l’autre. Cherchant d’abord à conserver leur liberté et leur blancheur, Garcin, Estelle et Inès se révèlent et comprennent que l’Enfer, ce sont les autres.

La scénographie de «Huis Clos» est très intéressante. Une cage envahit l’espace, entourée de trous dans le plancher et de trappes d’où le Garçon, un des gardiens de l’Enfer, apparaît et disparaît selon son gré. Un poteau de pompier permet à ce dernier d’écouter ce qui se passe dans la cage en l’observant de haut. Bref, la scénographie ouvre la porte à des jeux surprenants et rehausse l’attention du spectateur qui se perd parfois dans la lourdeur du propos.

Patrice Robitaille, Pascale Bussières et Julie Le Breton forment un trio intelligent. Robitaille incarne un gentleman distingué, Bussières campe une lesbienne dure et Le Breton joue bien la blonde sans tête. Ils sont justes et malgré quelques accros dans le texte, ils rendent bien les propos. Leur interprétation n’offre toutefois rien d’extraordinaire. Somme toute, bien que la pièce soit intéressante et pleine de promesses avec une telle distribution, elle ne réserve pas de grandes surprises.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Huis Clos
De Jean-Paul Sartre
Théâtre du Nouveau Monde
Avec Patrice Robitaille, Pascale Bussières,

Julie Le Breton, Sébastien Dodge
Mise en scène : Lorraine Pintal
9 mars au 3 avril 2010

Psy

2010-02-22T07:15:00.000-08:00

Le 16 février, la compagnie québécoise Les 7 doigts de la main présentait en première mondiale, leur toute nouvelle création : Psy. Durant les deux heures du spectacle, les 11 jeunes artistes du spectacle sont tour à tour psychologue et malade. Agoraphobie, trouble de la personnalité, hypocondrie, amnésie, dépendance : tout y passe. Leur thérapie? Apprendre à s’extérioriser en groupe par le biais de disciplines circassiennes. Une drôle de cure pour de drôles de personnages!
Psy est très axée sur la danse contemporaine. La majeure partie du temps, tous les artistes sont en scène. S’ils ne sont pas au cœur de l’action, ils interprètent des personnages qui étoffent l’ambiance du numéro. Rien n’est laissé au hasard.
Ce qui émerveille chez les 7 doigts, outre la grande théâtralité présente dans leurs spectacles, c’est la multidisciplinarité des artistes. En plus d’être spécialisé dans un domaine, ils sont des touche-à-tout qui participent aux numéros de leurs compères. Mention spéciale au duo composé d’Héloïse Bourgeois et de William Underwood pour leur numéro de mât chinois ponctué par les troubles insomniaques d’Héloïse. Un délice!
Mis à part les petites longueurs et un numéro de lancer de couteaux qui est tombé à l’eau (était-ce voulu ou l’artiste était-elle très nerveuse en ce soir de première?), la troupe continue de nous émerveiller.

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PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

PSY
à la Tohu
Avec Guillaume Biron, Héloïse Bourgeois,
Mohamed Bouseta, Danica Gagnon-Plamondon,
Gisle Henriet, Naël Jammal, Olga Kosova,
Florent Lestage, Tom Promeur-Orsini,
Julien Silliau, William Underwood.
Mise en scène, scénario et chorégraphies : Shana Carroll
16 février au 6 mars 2010

Roadkill

2010-02-15T09:15:00.000-08:00

Une auto en panne, sur la route désertique de l'Australie. Un couple et un mystérieux inconnu, apparaissant de nulle part. Les mythes urbains sur les voyageurs sont nombreux dans ce paysage aride et les peurs augmentent rapidement...

"Roadkill" nous lance dans ce thriller, créé en 2007 par la troupe australienne Splintergroup, dans le cadre du Festival Dance Umbrella à Londres. Une oeuvre intense et très physique. Les trois danseurs sont en plein contrôle et se mettent en réel danger dans leurs mouvements qui nous font sursauter à chaque instant. Malheureusemnt, les chorégraphies nous laissent parfois sur notre faim, paraissant au deuxième plan du spectacle, derrière le jeu. Toutefois, la scénographie est impressionnante, les interprètes, jouant souvent eux-mêmes avec l'éclairage et le son. Grâce à des trucages judicieux, l'angoisse et la peur se font sentir sur scène et dans l'assistance.

Une pièce définitivement terrifiante. Le public est pris dans un road movie, a la sensation d'y participer et se retient pour crier. La troupe Splintergroup ose déstabiliser et déranger ses spectateurs. Et c'est tant mieux.

PAR MARIE-EVE JACQUES
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Roadkill
par Splintergroup
Cinquième Salle de la Place des Arts
Du 10 au 13 février 2010

Chantefable

2010-02-15T08:59:00.000-08:00

Le Studio-Théâtre de l’Illusion, scène intimiste de la rue Bienville, fait revivre une histoire médiévale d’amour et de guerre. Le jeune prince Aucassin est amoureux de Nicolette mais son père lui interdit de la voir. Une romance amenée avec une simplicité originale par le trio de marionnettistes.

Les marionnettes sont forts intéressantes, toutes de bois et inspirées des sculptures gothiques. Les marionnettistes ne se cachent pas derrière elles mais au contraire, s’amusent avec les personnages de bois. Leurs mimiques ajoutent de la magie au spectacle qui captive petits et grands. Les artistes évoluent dans une scénographie ingénieuse : trois trônes composent le décor. Ces derniers se transformeront tour à tour en prison, en château et en bateau. Avec des bandes de tissus pour appuyer les changements de lieu, l’imagination est sollicitée pour le plus grand plaisir de l’assistance.

Une chouette complicité s’installe entre les trois marionnettistes-comédiens et le public. Les jeunes spectateurs se lèvent de leur siège pour ne rien manquer et poussent des cris de dégoût lorsqu’Aucassin et Nicolette échangent un baiser. Tordant! Bref, «Chantefable» est une belle incursion et une excellente initiation au monde des marionnettistes.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET
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Chantefable
AUTEUR AU NOM OUBLIÉ
Avec Sabrina Baran, Salim Hammad & Philippe Racine
Mise en scène de Karel Brozek MGA et Claire Voisard
Studio-Théâtre de l’Illusion
2 au 14 février 2010

Mon corps deviendra froid

2010-02-08T08:04:00.000-08:00

La prémisse de la dernière œuvre d’Anne-Marie Olivier est simple : un repas familial afin de commémorer la mort du père. Pourtant, la simplicité de la proposition se complexifie au fur et à mesure que les minutes passent. En fait, aucun des protagonistes n’a réellement envie d’être là, excepté la mère qui n’a toujours pas fait le deuil de son mari décédé. Les spectateurs assistent à un véritable lavage de linges sales en famille alors que le ton devient plus agressif et les mots échangés plus violents. On tente de panser les blessures mais le diachylon ne colle pas. Au milieu des hostilités se trouve Sylvie, copine du fils endeuillé, qui semble absente mais qui se révèle être la plus lucide du groupe. Dans cet éclatement de la cellule familiale, le fantôme du père décédé quelques années plus tôt rôde…

Les mots de l’auteure sont parfois tendres, souvent violents. Le spectateur s’attache aux personnages et pourtant, les trouve désagréables, voire méchants. Le spectateur est dans une zone grise du début à la fin, partagé entre la sympathie qu’il ressent et le grand malaise toujours présent dû à l’humour noir des personnages. Le propos dérange par son authenticité et son caractère fort actuel. Quelle famille se sort indemne de la mort d’un père?

Mention spéciale à la scénographe Julie Deslauriers pour son incroyable décor constitué de portes de four et pour l’interprétation de Brigitte Lafleur qui marche sur une corde raide tout au long du spectacle, interprétant avec sensibilité le personnage de Sylvie.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET
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Mon corps deviendra
Texte d'Anne-Marie Olivier
Avec Suzanne Champagne, Claude Despins
Brigitte Lafleur, Myriam Leblanc & Roger La Rue
Mise en scène de Stéphan Allard
Théâtre de Quat’sous
25 janvier au 27 février 2010

La liste

2010-01-18T08:03:00.000-08:00

Lauréate du prix du gouverneur général 2008 en théâtre, l'auteure Jennifer Tremblay nous présente son oeuvre au Théâtre d'Aujourd'hui. "La Liste" nous parle d'une mère de famille, débordée, angoissée et solitaire qui raconte comment elle a collaboré au décès de sa voisine, elle aussi mère de jeunes enfants. Joué par Sylvie Drapeau, ce solo est un véritable plaidoyer de 70 minutes durant lequel le mystère plane et les vérités sont peu à peu dévoilées.

Sylvie Drapeau est troublante et touchante à la fois, révélant une mère au bout du rouleau, qui ne trouve pas sa place dans ce petit village. Les mots de Jennifer Tremblay sont simples mais ô combien forts. Malgré la lourdeur du propos, certains passages allègent la tension, surtout lorsqu'il est question des tâches quotidiennes d'une mère au foyer.

La mise en scène, signée Marie-Thérèse Fortin, est remarquable. Le décor quoiqu'il paraisse ordinaire à première vue dévoile sa complexité tout au long de la pièce, jouant de pair avec l'interprète. Sans aucun doute, La liste est une pièce mystérieuse, troublante et incroyablement sincère.

PAR MARIE-EVE JACQUES

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La liste

de Jennifer Tremblay

avec Sylvie Drapeau

mise en scène de Marie-Thérèse Fortin

Théâtre d'Aujourd'hui

12 janvier au 6 février 2010

Simon a toujours aimé danser

2010-01-18T08:00:00.000-08:00

Simon Boulerice, jeune auteur, interprète, metteur en scène et danseur se livre sur la scène de la salle intimiste Jean-Claude Germain dans un solo autofictionnel savoureux. Sur un fond musical signé Whitney Houston, Simon joue au hockey, renie la religion, vie sa première relation amoureuse et les déceptions qu’elle entraîne mais surtout, Simon danse avec cœur. Dans toute sa fragilité et son innocence, Simon parle de ses blessures de petit garçon incompris qui ne cherche qu’à danser sa vie.

Le petit plateau de la salle Jean-Claude Germain se transforme tour à tour en club, en patinoire, en sanctuaire et en quai de métro. Quelques accessoires et un éclairage simple mais efficace supportent les propos du sympathique interprète. L’espace est investi avec fougue par Boulerice qui témoigne d’un incroyable talent de danseur, d’écrivain et d’interprète. Le cœur léger et le sourire aux lèvres, les spectateurs sont ravis au bout de l’heure et quart du solo qui porte à réfléchir sur la nécessité de s’accrocher à ses passions de petit garçon et de petite fille. Simon Boulerice, à ne pas perdre de vue dans les prochaines années, offre avec une sincère simplicité, un moment doucement sucré.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Simon a toujours aimé danser
de Simon Boulerice
Avec Simon Boulerice
Mise en scène de Sarah Berthiaume
Théâtre d'Aujourd'hui
12 au 30 janvier 2010

Une maison propre

2009-12-06T13:12:00.000-08:00

Le Théâtre de l'Opsis propose, dans le cadre de son exploration de la dramaturgie américaine, présente "Une maison propre", une oeuvre de Sarah Ruhl, pour lequel l'auteure a reçu le prix Susan Smith Blackburn et a été finaliste pour un prix Pulitzer.

"Une maison propre", c'est l'histoire de Mathilda, une jeune comédienne brésilienne à la recherche de la blague parfaite. En attendant d'accomplir son rêve, elle fait le ménage chez un couple de médecins, Lane et Charles, qui malgré un succès professionnel, voient leur amour partir à la dérive. La soeur de Lane, une femme sans emploi et complètement folle du ménage, aide Mathilda dans ses démarches ménagères et artistiques.

Les personnages sont non seulement attachants, mais aussi formidablement mis en vie par une distribution remarquable. Émilie Bibeau, dans le rôle de Mathilda, est impressionnante avec son accent brésilien constant, quoiqu'un peu stéréotypé. Monique Spaziani, dans la peau de Lane, réussit à nous émouvoir à travers l'absurdité de la pièce. Enfin, on ne peut passer à côté de la prestation d'Hélène Mercier, dans le rôle de la soeur de Lane. Le public reste pendu à ses lèvres et attend sa prochaine ligne. Sa gestuelle est remarquable et hilarante. Bref, "Une maison propre" est une oeuvre actuelle, drôle et émouvante sur l'accomplissement de soi et l'amour.

PAR MARIE-EVE JACQUES

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Une maison propre

Texte de Sarah Ruhl

Mise en scène de Martin Faucher

Avec Émilie Bibeau, Michel Laperrière,

Hélène Mercier, Patricia Nolin,

Denis Roy et Monique Spaziani

5ème Salle de la Place des Arts

19 novembre au 19 décembre 2009

La Réforme Pinocchio

2009-12-06T13:09:00.000-08:00

Le théâtre Premier Acte de Québec prête sa scène à de jeunes auteurs-comédiens de la compagnie La Fleur de Cendre. La première création de cette dernière propose un univers ludique, une société dans laquelle tout est axé sur la productivité et l’exploitation des ressources. Depuis quelques années, les enfants de cet univers n’évoluent pas et se dirigent vers une mort certaine s’ils ne changent pas avant d’atteindre l’âge de la productivité. Le fils de l’empereur semble atteint du même mal et ce dernier doit réagir rapidement car le peuple se plaint. L’empereur et sa suite décident de s’attaquer à ce qui leur semble être la source du problème, soit l’éducation, plus précisément les gardiennes des enfants, ces êtres à moitié vivants ayant une télévision pour tête. C’est ainsi que s’enclenche la Réforme Pinocchio.

La pièce est rafraîchissante par son côté dénonciateur et le ridicule des situations proposées. Les personnages sont tous plus éclatés les uns que les autres, que ce soit le Dieu de tous qui est représenté par une statut dont le nom est Wal-Mart ou encore la gardienne des enfants qui est une réplique effrayante des Télétubbies. La Fleur de Cendre présente un conte moderne à l’humour acide où les éclats de rire sont suivis par des malaises dérangeants. Seule ombre au tableau : les quelques envolés lyriques qui alourdissent la fin de la pièce. Somme toute, la pièce frappe et les jeunes auteurs-comédiens offrent une brillante prestation.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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La Réforme Pinocchio
Première création de la compagnie

La Fleur de Cendre

Collectif d’auteurs
Avec Marc Auger, Benoît Cliche,

Jean-Michel Girouard, Éliot Laprise,

Jean-René Moisan, Lucien Ratio

et 'Israël Gamache
Mise en scène de Jean-Michel Déry
Théâtre Premier Acte
10 novembre au 28 novembre 2009

L'Imposture

2009-12-06T13:07:00.000-08:00

«L’Imposture», 17e pièce de la jeune Evelyne de la Chenelière, offre une rencontre avec Ève, une femme forte, intelligente mais vulnérable qui tire ses idées de romans de son entourage immédiat et des situations personnelles qu’elle vit. Elle souligne les maux de son entourage, les tares de leur vie. Sa relation avec son fils Léo est mise de l’avant alors qu’elle choisit de prendre son fils comme narrateur de son histoire. Sa fille Justine assombrit le conte en se rebellant, partant vivre dans un dangereux ghetto. Quant à l’homme de sa vie, Bruno, il ne semble pas réceptif aux écrits qui s’adressent pourtant à lui. La pièce propose un questionnement sur l’identité du véritable auteur d’un roman et sur les limites des sources d’inspiration de ce dit auteur.

À travers les relations qu’Ève entretient avec les gens l’entourant, l’acte créateur, le statut de parent et la condition de la femme sont décortiqués, questionnés. Des personnages éclatés comme celui de David Boutin, tournent en ridicule certains comportements humains et créent un pont entre le public et la pièce. Cette dernière met en avant-plan la relation entre Ève et son fils Léo. Petit hic : nous nous égarons en deuxième partie du spectacle alors que nous suivons la fille d’Ève, la rebelle Justine, qui s’enfonce dans les gouffres d’un ghetto. S’ensuit des blagues faciles sur les Noirs et une caricature futile et facile. Les idées sont là mais elles semblent plaquées sur une toile de fond. Malgré tout, avec des projections vidéo, un dynamisme dans la mise en scène et des acteurs chevronnés, «L’Imposture» nous amène entre deux mondes, entre la stabilité sécurisante et le goût de l’inconnu. C’est donc une intéressante réflexion sur l’acte créateur et son impact sur l’entourage de l’auteur qui prend d’assaut la scène du Théâtre du Nouveau Monde jusqu’à la mi-décembre.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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L’Imposture
de Evelyne de la Chenelière
Avec Violette Chauveau, Francis Ducharme,

David Boutin, Sophie Cadieux, Jacinthe Laguë,

Hubert Proulx, Yves Soutière, Erwin Weche
Mise en scène de Alice Ronfard
Théâtre du Nouveau Monde
17 novembre au 12 décembre 2009

Parler de la mort, un hommage à la vie

2009-11-30T08:49:00.001-08:00

Ce n’est pas tous les jours qu’on traite d’un sujet aussi intense que la mort, encore moins avec le jeune public. Le Théâtre le Clou décide de présenter un véritable hommage à la vie aux jeunes de 11 à 13 ans : Isberg.

Un Grand, un Petit et une Sœur devront tenter de survivre au quotidien à la suite du tragique accident qui enleva leurs parents. Dans cette nouvelle réalité bouleversante, les trois enfants utilisent l’imagination, les souvenirs, le bricolage et la musique pour nourrir leur nouvelle vie de positif. Une quête du bonheur avec quelques embûches où seul l’esprit de famille représente la clé.

Isberg plonge les plus jeunes comme les plus vieux dans un univers charmant et hermétique. Nul ne peut décrocher de l’irréprochable performance de Philomène Lévesque-Raiville, Sébastien Rajotte et Guillaume Tellier. Par leur dynamisme et leur justesse, ils sont attachants, intelligents et touchants. Une belle mise en scène colorée et texturée de géométries originales ; une ambiance scénique digne de la Maison Théâtre. Des arrangements musicaux intéressants qui harmonisent l’ambiance parfois lourde, parfois drôle.

Ce que j’aime de la Maison Théâtre c’est que du premier noir aux applaudissements, on est complètement absorbé par ce qui se passe sur scène. On plonge dans des univers fascinants qui comportent mille et une portes pour l’imagination. Isberg du Théâtre le Clou en est un bon exemple !

PAR PATRICE OUIMET

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ISBERG

Une production du Théâtre le Clou

Texte : Pascal Brullemans

Mise en scène : Sylvain Scott

18 au 29 novembre 2009

La Maison Théâtre

L'accomplissement d'une vie selon Tanja Liedtke

2009-11-16T08:45:00.001-08:00

Dans le cadre de la triple programmation australienne de la 5ème salle de la Place des Arts, c'est au tour de la regrettée chorégraphe Tanja Liedtke de nous présenter sa dernière oeuvre Construct. C'est en effet le dernier spectacle de la jeune artiste, décédée subitement en 2007, explorant l'accomplissement des rêves et des projets, seul ou à deux. Comment les ambitions de jeunes adultes évoluent-elles à travers les années ? L'ascension se fait rapidement, mais la chute aussi.

Avec la collaboration de Kristina Chan et de Paul White, la chorégraphe, remplacée par Charmene Yap, réussit à déstabiliser le spectateur dans ses ambitions et sa vision de l'avenir. C'est tout en humour, en audace et en sensibilité qu'un jeune couple construit sa vie sous le regard attendri du public. Puis, le temps fait les choses et annonce le déclin, rapide et inattendu de ces individus qui ne peuvent comprendre ce qui leur arrive. Ils se laissent aller à la dérive, tentant de se réconforter dans leur maison, symbole de l'ultime accomplissement.

C'est avec une mise en scène vivifiante et une musique jouant un rôle de premier plan que Construct nous ramène à l'ordre et nous fait revoir nos plans futurs. Le bonheur est souvent pris pour acquis et pourtant, il se doit d'être construit et nourri.

PAR MARIE-EVE JACQUES

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Construct
par Tanja Liedtke
avec Kristina Chan, Paul White et Charmene Yap
5ème salle de la Place des Arts
10 au 14 novembre 2009

Les New Cackle Sisters

2009-11-09T12:20:00.000-08:00

Les New Cackle Sisters unissent à nouveau leurs talents à l’étonnante multidisciplinarité de l’Orchestre d’Hommes-Orchestres. C’est à l’Usine C que le duo reprend les succès des DeZurik Sisters, vedettes de la radio en Illinois dans les années 40. Qualifiant leurs arrangements comme étant « agricoles », les New Cackle Sisters nous proposent un son complètement insolite et délirant amusant un public de tous âges. En effet, les plus vieux se rappelleront l’époque du yodle alors que les plus jeunes découvriront un country éclaté, vif et léger.

C’est avec une mise en scène humoristique et audacieuse que le duo de Québec se lance tout un défi vocal qui impressionne à chacune des chansons. La collaboration de l’Orchestre d’Hommes-Orchestres est essentielle à ce spectacle, puisqu’en plus d’être des musiciens de talent, les membres du groupe sont des machinistes incroyables. Leur prestation est admirable et sans eux, la performance des New Cackle Sisters pourrait sembler répétitive…

Bref, pour une soirée en toute légèreté, les New Cackle Sisters proposent un divertissement assuré !

PAR MARIE-EVE JACQUES

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Les New Cackle Sisters

Usine C

3 au 5 novembre 2009

Appris par corps

2009-11-02T08:04:00.000-08:00

La TOHU reçoit un duo masculin, mi-français, mi-québécois pour seulement quatre jours de portées acrobatiques. Après leur rencontre en 2005, Frédéric Arsenault et Alexandre Fray se sont réunis afin de partager la même passion pour leur pratique. Arsenault venant de perdre son partenaire, Fray arrivait à point.

Après une résidence entre les murs de la Cité des Arts du Cirque à l’été 2007, les deux acolytes présentent un spectacle durant lequel la technique est à couper le souffle. Présentant une symbiose parfaite, les deux acrobates proposent une histoire simple ayant pour trame les dualités entre humains. Les longueurs qu’il est possible de ressentir durant le spectacle sont en fait un choix artistique car, comme l’explique Arsenault, le rien sur scène est porteur de beauté.

D’une durée de 50 minutes, le spectacle offre de beaux moments durant lesquels le détail est à l’honneur et offre au spectateur accès à l’intimité des acrobates. C’est donc une belle complicité franco-québécoise que nous retrouvons sur la scène de la TOHU, signée Un loup pour l’homme!

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Appris par corps

TOHU
Avec Frédéric Arsenault & Alexandre Fray
Mise en scène de Arnaud Anckaert
21 octobre au 24 octobre 2009

The Age I'm In

2009-10-22T12:00:00.000-07:00

Jusqu'au 25 octobre, la 5ème Salle de la Place des Arts nous fait le plaisir de recevoir la chorégraphe australienne Kate Champion et la troupe Force Majeure. C'est suite à des entrevues auprès de 80 personnes de différentes générations, que la chorégraphe a su tisser une toile reflétant la société australienne actuelle.

Abordant de nombreux thèmes personnels, tels que l'amour, la sexualité et la maladie, les 11 interprètes âgés de 15 à 80 ans se présentent au public de façon naturelle, humaine et sensible. Chaque interprète joue plusieurs personnages, sans toutefois se les approprier de façon égale, ce qui enclenche parfois des moments qui traînent en longueur et qui manquent de rythme. La multidisciplinarité est au rendez-vous, mais n'est pas encore au point. Bien qu'on y sente les forces de chacun, que ce soit la danse ou le jeu, les faiblesses sont présentes et tachent les tableaux.

N'empêche que le public ne peut que se reconnaître dans les propos tenus par les artistes. C'est principalement grâce à l'utilisation efficace du multimédia, par l'entremise de petits écrans mobiles, que l'ambiance s'allège et nous permet de respirer. C'est là un élément fort percutant qui mérite d'être découvert.

PAR MARIE-EVE JACQUES

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The Age I'm In
5ème Salle de la Place des Arts
par Kate Champion
Interprété par Force Majeure
Jusqu'au 25 octobre 2009

De jeunes mimes prennent d'assaut l'Espace Libre

2009-10-07T20:27:00.000-07:00

Pour sa 35e saison, la compagnie Omnibus a demandé à Réal Bossé, Pascal Contamine et Christian Leblanc de mélanger leur savoir afin de concocter un spectacle de mime. Ayant fait le choix de travailler avec de jeunes interprètes de l’École de mime de Montréal, les trois metteurs en œuvre offrent une œuvre rafraîchissante et provocatrice qui dépeint la génération Y. Issus de trois milieux différents, Bossé, Contamine et LeBlanc sont parvenus à une belle cohésion entre les différentes propositions théâtrales.

Ce qui est admirable dans cette œuvre est définitivement la maîtrise corporelle dont font preuve les six interprètes. En un mouvement de jambe ou d’épaule, ils nous font vivre une gamme d’émotions. Sabrina Connell-Caouette, Jennyfer Desbiens, Solo Fugère, Xavier Malo, Sacha Ouellette-Deguire et Anne Sabourin ont certes un avenir sur les planches théâtrales. Il faut souligner la performance de Sacha qui interprète un chien tout à fait crédible avec son popotin.

Composé de surprises, supporté par des corps en contrôle, Rêves, Chimères et Mascarade est un must de la saison automnale de l’Espace Libre.

PAR ANDRÉE-ANNE BRUNET

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Rêves, chimères et mascarade
Espace Libre

Avec Sabrina Connell-Caouette,

Jennyfer Desbiens, Solo Fugère,

Xavier Malo, Sacha Ouellette-Deguire

et Anne Sabourin
Mise d’oeuvre : Réal Bossé,

Pascal Contamine et Christian LeBlanc
Du 22 septembre au 10 octobre 2009

Un moment magique au TNM

2009-10-07T20:20:00.000-07:00

Le Théâtre du Nouveau Monde présente Beaucoup de bruit pour rien comme deuxième œuvre de sa nouvelle saison. Cette comédie shakespearienne a été totalement revisitée de manière créative et ingénieuse par René Richard Cyr. On ne savait pas trop à quoi s’attendre d’une adaptation d’un classique si ancré et pourtant on est surpris du début à la fin autant par la mise en scène que par le jeu des comédiens.

Une bande de valeureux soldats rentre de la guerre et séjourne chez Léonato. Tandis que le jeune Claudio tombe amoureux et projette le mariage avec la belle Héro, Bénédicte et Béatrice, confinés sous un même toit, entretiennent une querelle qui dure depuis longtemps. Le tout s’effectue à travers des thèmes d’amitié, de jalousie, d’amour et de trahison. Béatrice, tout comme Bénédicte sont des « insensibles » à l’amour, mais grâce à un complot aussi ridicule que cocasse, ils tombent éperdument amoureux l’un de l’autre.

La pièce est tout simplement savoureuse. On y rit du début à la fin sans aucun doute. Il en devient très simple de comprendre l’intrigue, les personnages et de s’y attacher. Plusieurs moments drôles auraient pu facilement devenir prévisibles, mais le brio de la mise en scène et du jeu de la distribution nous transporte constamment dans la surprise et l’émerveillement. La scénographie est spectaculairement réussie, des décors qui évoluent avec la temporalité de la pièce et une luminosité poétique qui nous plonge au cœur du thème principal : l’amour.

Pour passer une soirée magique, agréable et amusante, allez voir Beaucoup de bruit pour rien au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 24 octobre 2009.

PAR PATRICE OUIMET

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Beaucoup de bruit pour rien
Théâtre du Nouveau Monde
Adaptation et mise en scène : René Richard Cyr
Avec Macha Limonchik, David Savary,

Yves Amyot, Olivier Aubin,

Dany Boudreault, Sophie Desmarais,

Simon Fréchette-Daoust, Maxim Gaudette,

Robert Lalonde, Milène Leclerc,

Vincent-Guillaume Otis, Frédéric Paquet,

Éric Robidoux et Véronic Rodrigue

L'Opéra de Montréal frappe fort !

2009-10-07T14:29:00.000-07:00

C’est lors de sa première sortie en quatuor de la saison 2009-2010, que l’équipe de Scène à Scène s’est laissée emporter par la simplicité, l’humour et l’accessibilité de la première série de représentations de l’Opéra de Montréal. Le programme double composé de Pagliacci de Leoncavallo et de Gianni Schicchi de Puccini s’est avéré être une occasion d’offrir aux spectateurs de la Place des Arts une soirée divertissante et bien rythmée. Allant des comédiens ambulants pris dans un triangle amoureux dramatique, à la famille avare d’un riche défunt, les deux mises en scène d’Alain Gauthier sont impressionnantes, justes et audacieuses. Les figurants ne manquent pas, les références contemporaines sont hilarantes et les interprètes mis en valeur. C’est surtout lors de Pagliacci que le talent musical a pu être apprécié : Marc Hervieux et Marie-Josée Lord sont épatants, comme à l’habitude. Toutefois, c'est dans l'oreuve de Puccini que la soprano, Marianne Fiset en a surpris plus d’un dans le rôle de Lauretta. Il fait grandement plaisir d’entendre la distribution en presque totalité québécoise. Le public aime et apprend à connaître la relève d’ici, fort épatante. Bref, l’Opéra de Montréal frappe fort avec cette programmation double qui ouvre les portes à un public plus large.

MARIE-EVE JACQUES

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Pagliacci de Leoncavallo
Gianno Schicchi de Puccini
Opéra de Montréal
Salle Wilfrid-Pelletier
Place des Arts
26 septembre au 8 octobre 2009

Scène à Scène fait relâche !

2009-06-15T11:24:00.000-07:00

L'équipe de Scène à Scène prend des vacances cet été et sera de retour dès l'automne ! Bruno, Patrice, Andrée-Anne et Marie-Eve vous souhaitent de bien profiter des événements culturels à Montréal et à Québec. Prenez le temps d'explorer les arts de la scène !

By the light of stars that are no longer...

2009-04-25T18:34:00.000-07:00

Pour la première fois, la Tohu nous présente une troupe australienne, C!RCA, l’une des plus importantes compagnies de cirque contemporain. Audacieuse, innovatrice et sensible, l’approche qu’adopte la compagnie atteint un public non-conventionnel et surtout, plus âgé. Mêlant le cirque, la danse contemporaine et les arts martiaux, « By the light of stars that are no longer… » est une œuvre qui repousse les limites du corps humain. Les acrobaties sont uniques et fort complexes. Par exemple, le « lancer de la fille », aujourd’hui presque disparu, impressionne et fait réagir le public, au bout de son siège. La modernité du spectacle est aussi établie à travers la trame sonore, parfois violente, parfois angélique. De plus, l’éclairage, véritable jeu d’ombre et de lumière, oblige le spectateur à se concentrer, à vivre cette expérience désarmante et à se laisser transporter par cette vague d’émotions. C!RCA est composée d’artistes multidisciplinaires, engagés et prêts à tout pour explorer les possibilités acrobatiques. Un seul bémol au spectacle : quelques longueurs, dont le numéro de trapèze, répétitif quoique fort admirable, et les interprétations de danse théâtrale, difficiles à cerner. Toutefois, espérons que la Tohu accueillera de nouveau C!RCA, le nouveau souffle du cirque contemporain.

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MARIE-EVE JACQUES

«By the light of stars that are no longer…»
Créé par Yaron Lifschitz et C!RCA
Interprété par Darcy Grant, Chelsea McGuffin,

Jesse Scott, Emma Serjeant et Lewis West
Du 15 au 19 avril 2009
La Tohu

L'effet des rayons gamma sur les vieux garçons

2009-04-08T08:30:00.000-07:00

Lorsque des fleurs radioactives sont signes d’espoir, c’est que quelque chose cloche. Pour ne pas tourner rond, la famille Messier est passée maître. Béatrice, la mère monoparentale, est terriblement malheureuse et l’exprime par une excentricité déconcertante. Femme amère et désillusionnée depuis le départ de son mari, Béatrice élève ses deux filles, Mathilde et Rita, qu’elle surprotège. Rita, nerveuse et épileptique, souffre des commérages qui se font sur sa mère et sa sœur. Quant à Mathilde, petit génie, elle s’évade dans les sciences en se lançant dans des recherches sur les réactions que le Cobalt 60 produit chez les vieux garçons. Malheureusement pour elle, sa mère la garde égoïstement à la maison. Un voile de solitude entoure ces trois bouts de femmes.

«L’effet des rayons gamma sur les vieux garçons» est un drame autobiographique s’inspirant de l’enfance de l’auteur de la pièce, Paul Zindel. Sur scène, la cacophonie d’une vie familiale dysfonctionnelle. Une approche réaliste et crue, quoique poétique, à la René Richard Cyr. Sylvie Drapeau propose une Béatrice éclatée, déchirée, à la limite d’une caricature qui nous permet cependant de comprendre le gouffre dans lequel elle s’enfonce. Néanmoins, certains passages donnent l’impression de stand-up comique qui font certes rires mais qui dérangent également, comme si le public rieur oubliait le tragique de la représentation.

Somme toute, le trio féminin composé de Sylvie Drapeau, Catherine de Léan et Émilie Bibeau présente une force de jeu et un talent certain. Malgré la tristesse de l’histoire, les graines de vieux garçons que plante Mathilde sont porteuses d’une certaine lumière et le spectateur se permet de rêver que la radioactivité amènera le bonheur au sein de cette famille. Préparez-vous à une rencontre insolite mais ô combien humaine, au théâtre du Rideau Vert.

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ANDRÉE-ANNE BRUNET

«L’effet des rayons gamma sur les vieux garçons»
Avec Sylvie Drapeau, Émilie Bibeau, Catherine de Léan,

Geneviève Schmidt et Monique Joly.
Texte de Paul Zindel, traduit par Michel Tremblay
Mise en scène de René Richard Cyr
Théâtre du Rideau Vert
Du 24 mars au 18 avril 2009

Scotstown

2009-04-08T08:15:00.000-07:00

Il faut être averti pour assister à un spectacle de Fabien Cloutier. L’auteur et interprète à la plume dérangeante plonge dans l’insolite et le vulgaire en nous livrant «Scotstown», un collage de cinq contes à saveur de stand-up comique. Le personnage sans nom de Cloutier nous entraîne dans une épopée improbable où la statue de Champlain à Québec, les monuments de neige de Saint-Bernard, un bar quelconque de la Sainte-Catherine et un petit village nommé Scotstown se retrouvent simultanément sur scène. Des histoires de saoulerie, de baises et de rencontres surnaturelles se côtoient et se chevauchent.

À la fois crus, poétiques et déplacés, les mots de Fabien Cloutier ne laissent pas indifférents et mettent la table pour une soirée décapante. Les spectateurs sont invités à se munir d’une bonne bière frette afin de bien entamer ce véritable party théâtral. Délicieux croisement entre le conte et le spectacle d’humour, «Scotstown» est divertissant et bidonnant à souhait. Oreilles chastes, s’abstenir!

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ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Scotstown »
Écrit et interprété et mis en scène par Fabien Cloutier
Grand Théâtre de Québec
17 avril 2009 : Cabaret La Basoche à Gatineau
25 avril 2009 : Salle Marc-Dion à Sept-Îles
28 avril 2009 : Gaspé
2 mai 2009 : Montmagny

Aaatchoum !

2009-04-06T08:09:00.000-07:00

Un quintet clownesque prend d’assaut la scène de la Maison Théâtre, déclenchant des rires interminables et des salves d’applaudissements incontrôlables; un vrai show rock! Madame Soiz, femme de caractère à qui il vaut mieux obéir, prépare son grand moment scénique; avec ses musiciens et acolytes, elle fait tout pour présenter ses compositions musicales agrémentées de ukulélé. Mais rien ne va…

Rocco le technicien s’empêtre dans les fils, Jean-Marie le présentateur ne peut aligner deux mots sans se faire interrompre, Fabrisio le chef d’orchestre n’a qu’une chanson en tête et Olivier le percussionniste utilise ses baguettes partout où il peut créer de la musique. Une sympathique cacophonie s’installe sur scène. Ajoutez-y des acrobaties, des improvisations musicales rocambolesques et des personnages dont les personnalités ne concordent pas mais qui sont pourtant si adorables et vous trouverez «Aaatchoum!», une improbable rencontre clownesque. Une curieuse folie arrosée de dérapages orchestrés, un moment intense pour le plus grand plaisir des yeux qui tentent de tout saisir à la fois. Décidément, la joyeuse troupe du Théâtre de l’Aubergine n’offre aucun repos et c’est tant mieux!

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ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Aaatchoum!»
Avec Jean-Marie Alexandre, Olivier Forest,

Soizick Hébert, Roch Jutras & Fabrice Tremblay
Collectif de création sous la direction artistique de Paul Vachon
Mise en scène de Rénald Laurin
Maison Théâtre
Du 25 mars au 11 avril 2009

2009-04-06T08:02:00.000-07:00

Starmania

2009-04-01T14:01:00.000-07:00

Une énergie spéciale a envahi la salle Wilfrid Pelletier lundi soir. C’est par une ovation extraordinaire d’une quinzaine de minutes que s’est terminée la quatrième représentation de la version lyrique de Starmania.

Tout d’abord, soulignons l’incroyable performance de l’Orchestre métropolitain du grand Montréal. Sous la direction de Simon Leclerc, l’orchestration montréalaise a su présenter un univers musical riche et entraînant, agencé aux sublimes voix de la distribution. Le résultat est une expérience musicale et théâtrale à couper le souffle. Il est important de noter que l’adaptation des chansons de Starmania en version lyrique n’étais pas une quête de tout repos. Et pourtant, la transition s’est effectuée à merveille.

Du côté de l’interprétation, le public avait le privilège de voir une distribution entièrement canadienne. Plusieurs grands talents ont véritablement conquis le public avec des prestations solides qui transmettaient une émotivité exceptionnelle à travers les textes. Notons l’incroyable performance de Marie-Jeanne interprétée par Marie-Josée Lord, soprano, ainsi que de Ziggy interprété par Pascal Charbonneau, ténor. Autant à travers leur jeu qu’à travers le chant, ils ont véritablement charmé le public, particulièrement dans la scène finale, grâce à une montée dramatique puissante. Toutefois, certains moments cruciaux, tel que le « blues du business man » ont manqué d’intensité, contre toute attente !

En ce qui concerne la mise en scène, il y avait également de grandes surprises. Une mise en scène entièrement composée de projections sur des draps semi-transparents. L’aspect multimédia de la version lyrique de Starmania était vraiment bien agencé au reste du déroulement de la pièce. Accompagné d’un éclairage ingénieux, on ne pouvait qu’embarquer dans l’histoire sans aucune distraction.

L’adaptation d’une création dans une autre forme artistique représente un défi énorme pour les créateurs comme pour les interprètes. L’opéra rock Starmania en version lyrique s’est avéré un franc succès à tous les niveaux ! Une excellente introduction à l’Opéra, et ce pour un grand public !

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PATRICE OUIMET

« Starmania -Opéra de Montréal »

Plamondon/Berger
Mise en scène : Michel Lemieux et Victor Pilon

Place des Arts
Du 14 au 28 mars 2009

Punto Ciego

2009-03-29T15:07:00.000-07:00

Depuis maintenant sept ans, Victor Quijada explore la rencontre du ballet, de la danse contemporaine et du breakdance avec Rubberbandance Group (RBDG). Fondateur de la compagnie, il se lance audacieusement dans le jeu, l’humour, le drame, la violence, la comédie et surtout la condition humaine. Cette fois-ci, il nous présente « Punto Ciego », à la Cinquième Salle de la Place des Arts, où il est en résidence avec la codirectrice artistique de la compagnie, Anne Plamondon.

Sur la scène, six danseurs. Trois couples. La soif de célébrité et de performance mène souvent à la déchéance des relations interpersonnelles et la perte de soi est inévitable. Victor Quijada nous le fait bien sentir à travers ses chorégraphies parfois oppressantes et parfois touchantes, menées par la musique remarquable de Jasper Gahunia, qui reprend la musique classique avec une touche de hip-hop. Mais ce qui différencie Rubberbandance Group, c’est sa technique audacieuse, ses rythmes actuels et sa théâtralité bien justifiée. L’histoire, avec toutes ses versions, ne se raconte pas. Elle se vit individuellement, en tant que spectateur. « Punto Ciego » est une œuvre complète, qui impressionne par son innovation et sa perfection, et qui charme par son humanisme. D’ailleurs, l’utilisation de vidéos amène un contact direct avec le public, qui est invité à participer. Il est important de mentionner les performances des interprètes, principalement celles de Frédéric Tavernini et Lila-Mae G.Talbot.

« Punto Ciego » est une création simple et complexe, technique et sensible, drôle et violente. Bref, « Punto Ciego » est une œuvre complète, qui ne peut passer inaperçue.

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MARIE-EVE JACQUES

« Punto Ciego »
Rubberbandance Group
Avec Victor Quijada, Anne Plamondon, Louise Michel Jackson,

Mariusz Ostrowski, Lila-Mae G. Talbot, Frédéric Tavernini
Cinquième Salle de la Place des Arts
Du 25 mars au 11 avril 2009

Woyzeck

2009-03-23T10:45:00.000-07:00

Écrite en 1836, la pièce Woyzeck de Georg Büchner, a été reprise et adaptée à plusieurs reprises et ce, à travers le monde. L’histoire est celle de Woyzeck, simple ouvrier convaincu qu’il est né pour un petit pain, qui se voit écrasé par la microsociété dans laquelle il est contraint de vivre. Éperdument amoureux de Marie, la mère de son enfant illégitime, il est témoin de la séduction du fort et viril Tambour-major. Au bout du rouleau, il finit par éclater sous l’oppression et assassiner sa douce.

La metteure en scène Brigitte Haentjens a décidé de reprendre cette œuvre sur la violence conjugale pour le public québécois. Une toute nouvelle adaptation, illustrée par des chansons et des expressions populaires, ainsi que par un accent d’ici. Ces clins d’œil permettent de traiter des dimensions satiriques, absurdes même, de l’oppression que subit Woyzeck. D’ailleurs, le public y prend le temps de respirer et de prendre une pause de la misère et de la cruauté des personnages.

Il est important de noter la superbe scénographie, signée Anick La Bissonnière, qui dès les premières minutes, crée l’atmosphère étouffante de la société. La formidable brochette de comédiens complète cette pièce audacieuse et rend honneur à la créativié de Brigitte Haentjens. À noter : Sébastien Ricard est saisissant dans son rôle de Tambour-major, Évelyne Rompré joue une Marie juste et délicate, Paul Ahmarani est le Docteur cruel et absurde à souhait et enfin, Marc Béland est touchant et sensible.

Woyzeck est une œuvre tout à fait intemporelle et Brigitte Haentjens en met plein la vue avec son adaptation québécoise, quoique parfois à tendance caricaturale.

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MARIE-EVE JACQUES

« Woyzeck »

Mise en scène de Brigitte Haentjens

Avec Marc Béland, Paul Ahmarani, Catherine Allard,

Pierre-Antoine Lasnier,Raoul Fortier-Mercier ou Victor Croteau,

Gaétan Nadeau,Sébastien Ricard, Évelyne Rompré et Paul Savoie

Usine C

Du 17 mars au 4 avril 2009

La charge de l'orignal épormyable

2009-03-16T15:37:00.000-07:00

Le Théâtre du Nouveau Monde surprend dans sa mise en scène de «La charge de l’orignal épormyable» de Claude Gauvreau. Jouée pour la troisième fois, cette pièce de théâtre revisitée par Lorraine Pintal et sa troupe de comédiens aguerris choque, trouble, dérange.

Mycroft Mixeudeim tente de se remettre de la mort d’une femme qui représentait le monde pour lui. Il se réfuge donc dans le travail, se mettant au service de quatre analystes du comportement humain qui s’amuseront à se servir du pauvre personnage naïf pour évaluer leurs théories. Lontil-Déparey, Becket-Bobo, Laura Pa et Marie-Jeanne Commode concoctent des plans cruels réveillant l’orignal en Mycroft qui ne peut que charger dans les portes fermées à clef afin de porter secours à ceux qu’il croit en danger. Le TNM propose un terrible cirque morbide où la manipulation est à l’honneur et mène à la destruction de l’autre mais également à sa propre autodestruction. Bien qu’écrite en 1956, «La charge de l’orignal épormyable» est toujours d’actualité : il suffit de penser aux groupes d’adolescents intimidant un collègue de classe plus timide et renfermé. Glauque à en donner des frissons, la mise en scène osée de Lorraine Pintal est tout à son honneur. En effet, avec cette pièce, le Théâtre du Nouveau Monde se détache de sa réputation élitiste. Les gens pour qui les textes classiques sont plus difficiles d’approches seront agréablement surpris de la dernière production plus «trash» du TNM qui présente une belle porte d’entrée pour la découverte de cette institution montréalaise.

Une brillante brochette d’acteurs portent cette étrange histoire sur scène. Éric Bernier, Francis Ducharme, Didier Lucien, Pascale Montpetit, Sylvie Moreau, François Papineau et Céline Bonnier forment une unité sans pareil. Bonnier est particulièrement saisissante dans le rôle de Laura Pa avec son jeu en finesse et son incroyable présence. Il faut également souligner le travail extraordinaire de Papineau dans le rôle de l’orignal épormyable qui offre une composition délectable. Définitivement troublante, l’histoire de Mycrof Mixeudeim transpire la pureté, une pureté souillée par la décadence et la méchanceté. Une œuvre noire à voir.

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ANDRÉE-ANNE BRUNET

«La charge de l’orignal épormyable»

Texte de Claude Gauvreau

Mise en scène de Lorraine Pintal
Avec Éric Bernier, Céline Bonnier, Francis Ducharme, Didier Lucien,

Pascale Montpetit, Sylvie Moreau, François Papineau
Théâtre du Nouveau Monde
Du 10 mars au 4 avril 2009

Des belles-soeurs immuables

2009-03-15T17:03:00.000-07:00

Pour souligner les 40 ans des Belles-Sœurs, le théâtre d’Aujourd’hui qui célèbre également son quarantième anniversaire cette année, a décidé de faire revivre ce classique québécois. Mais pas de n‘importe quelle façon! Après avoir été retravaillés par le comédien, auteur, réalisateur, animateur et metteur en scène René Richard Cyr, les monologues des belles-sœurs se sont transformés en chansons, faisant revivre cette célèbre pièce sous une forme résolument nouvelle : le théâtre musical. Le talentueux Daniel Bélanger a mis la main à la pâte pour prêter des notes aux 15 interprètes féminines qui seront sur scène dès le 29 mars 2010 au Théâtre d’Aujourd’hui, mais également au Centre culturel de Joliette. Bélanger ne sera toutefois pas sur les planches, laissant sa place à 4 musiciens encore inconnus. Financièrement appuyés par Loto-Québec qui fête également ses 40 ans, Marie-Thérèse Fortin et son équipe bénéficieront de 600 000$ étalés sur 3 ans pour mener ce projet d’envergure à terme. La distribution complète sera révélée le 23 mars prochain lors du lancement de la saison du Théâtre d’Aujourd’hui.

Etien.

2009-02-26T19:23:00.000-08:00

On ne peut l’ignorer par les temps qui courent, vivre son adolescence en 2009 n’est pas une mince affaire. Ça, la compagnie de théâtre jeunesse Bluff semble l’avoir compris depuis la saison 2002-2003 de la Maison Théâtre. En effet, celle-ci présentait déjà à cette époque la pièce Étien, que je suis allé voir cette semaine. On l’a judicieusement remise à l’affiche pour souligner le départ de son auteur, Sarto Gendron, de la dite compagnie pour laquelle il était aussi directeur artistique. Croyez-moi, son œuvre traitant de l’obligation sociale de la performance et du ras-le-bol des standards que celle-ci nous impose, ça ne pourrait être plus d’actualité.

On y raconte les péripéties d’Étienne, 21 ans, qui nous fait comprendre dès les premières minutes de la pièce qu’on va assister à une crise existentielle d’une heure et demie durant laquelle les jeunes seront compris dans leur désarroi. Pour faire passer son message, il décide, aux commandes de son fidèle ordinateur, de prendre d’assaut les systèmes informatiques de la planète, afin d’en exercer un parfait un contrôle. Le but de sa mission? Changer le monde dit-t-il, mais aussi son monde par la bande. Dans son monde, il y a sa mère, incarnée par France Parent. Celle-ci exprime avec brio le tourbillon infernal dans lequel la société l’a enrôlée et du même coup, le piège dans lequel son fils ne veut pas tomber. Elle devra faire face à un agent de la GRC, qui lui, recherche Étienne.
On ne peut passer sous silence le texte audacieux de Sarto Gendron. Quel ne fut pas mon étonnement de retrouver des blasphèmes et des mots, disons-le, plutôt crus dans ce spectacle destiné à des jeunes de 13ans et plus. Une fois passé par-dessus mes jugements de grand-mère, je me suis rendu à l’évidence; l’adolescent ne s’exprime plus dans la langue classique de Shakespeare. Si on veut le rejoindre, autant assumer que cette phase est là et que l’on doit parler le même langage. Il en résulte donc un texte franc, honnête et tout à fait assumé dans la bouche des comédiens.

La mise en scène brillante de Michel Bérubé découpe la scène en trois parties pour chacun des personnages principaux. On s’y parle toujours par télécommunication. On est ainsi l’un à côté de l’autre, sans se voir. De plus, les comédiens récitent leur texte au public en les regardant toujours, ce qui leur donne une belle impression de vulnérabilité. Ils ne deviennent que des humains qui déclarent leur mal d’entrer en communication les uns avec les autres. On ne peut également passer sous silence une trame sonore rock à saveur parfois apocalyptique qui ponctue bien les montées dramatiques du personnage principal.

Etien est un spectacle qui m’a hautement plu, tantôt pour la sensibilité de ses interprètes, mais surtout pour l’humanisme de son texte.

MATHIEU POTVIN

« Etien. »

Texte de Sarto Gendron

Mise en scène de Michel Bérubé

Avec Mario Borges, Pierre Monet-Bach, France Parent, Joachim Tanguay

Maison Théâtre

Du 19 au 27 février 2009

Festival Mondial du Cirque de Demain

2009-02-22T11:39:00.000-08:00

Depuis 30 ans déjà, Paris accueille les plus grands artistes de la relève pour le Festival Mondial du Cirque de Demain. Un concours permettant aux meilleurs de se faire voir par les professionnels du milieu. Les gagnants voient leur carrière assurément resplendissante et leur réputation internationale. La compétition a eu lieu il y a quelques semaines et les méritants nous font le plaisir de s’arrêter à la Tohu pour présenter les innovations du cirque.

C’est par une mise en scène valorisant chacun des numéros et une ambiance festive que le public montréalais a droit à un multiculturalisme surprenant, où la notion du cirque est différente d’un continent à un autre. Il est remarquable de comparer les artistes, selon leurs origines. Les Occidentaux ont tendance à opter pour une émotivité, une sensibilité et une simplicité dans leurs numéros, alors que les Orientaux favorisent un spectacle éclatant, familial et un peu « tape à l’œil ». Les deux styles sont fort appréciés du public, qui s’y plaît tout au long des représentations. Peu importe la discipline ou l’origine, la technique est quasi-parfaite et en met plein la vue !

Encore une fois, la Tohu présente un spectacle hors de l’ordinaire, avec les meilleurs artistes du cirque. Cela prouve que cet art se porte à merveille et que les plus grands réinventent sans cesse les disciplines existantes.

MARIE-EVE JACQUES

« Festival Mondial du Cirque de Demain »
Édition spéciale du 30ème anniversaire
Tohu

Du 17 au 28 février 2009

La migration des oiseaux invisibles

2009-02-16T18:36:00.000-08:00

Croire en un avenir meilleur. Croire en la vie, en l’amour. Croire qu’on peut être quelqu’un. Croire tout simplement. À bord d’un immense cargo traversant l’océan, Sinbad et Rat d’eau se rencontrent, se font peur, s’apprivoisent, s’apprennent puis deviennent inséparables. Personnage clandestin, Sinbad se cache et attend d’apercevoir le rivage pour nager vers de nouvelles aventures. Sa formule d’invisibilité n’ayant pas fonctionné, Sinbad se fait capturer par Rat d’eau, matelot un peu simplet mais attachant vivant sous le joug d’un capitaine sans pitié. Bien que tout semble les opposer à prime abord, ces deux enfants développent une improbable amitié, dissimulés au fond d’une cale.

S’appuyant sur l’autre pour grandir, se faisant la courte échelle vers le soleil, Sinbad et Rat d’eau partagent l’espoir d’une vie magique et transmettent leur courage à la foule de jeunes spectateurs de la Maison Théâtre. Avec des mimiques ludiques, un texte sincère et un dynamisme corporel, Marie-Josée Forget et Marilyn Perreault, respectivement Sinbad et Rat d’eau, font comprendre l’importance de croire et de s’entourer d’amis sincères et dévoués.

La simplicité a permis au duo de comédiennes de donner des frissons et surtout de faire rire un public plus qu’enthousiaste après tant de belles images et de belles paroles. Chantant de vérité, «La migration des oiseaux invisibles» donne matière à voir et à réfléchir sur l’importance de l’amitié et sur la foi en sa bonne étoile. Une belle leçon sur la vie signée Mathieu, François et les autres!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«La migration des oiseaux invisibles»

Avec Marie-Josée Forget et Marilyn Perreault
Texte de Jean-Rock Gaudreault

Mise en scène de Jacinthe Potvin

Maison Théâtre

Du 30 janvier au 14 février 2009

La soupe de Kafka

2009-02-03T19:03:00.000-08:00

Dans le cadre du Studio littéraire, Antoine Bertrand, Patrice Coquereau, Daniel Brière, Catherine Trudeau et Kathleen Fortin nous font la lecture de "La soupe de Kafka", recueil de pastiches des plus grands auteurs par Mark Crick. En effet, l'auteur s'est fait un plaisir d'imaginer le déroulement d'un dîner chez Virginia Woolf, Gabriel Garcìa Màrquez ou encore Marcel Proust, le tout évidemment présenté sous forme de livre de recettes.

La Cinquième Salle de la Place des Arts accueille sans aucun doute des comédiens de talent, qui mettent en vie les textes de Crick avec humour et justesse. Une mise en scène naturelle, qui rapproche les artistes du public, qui les rend complices le temps d'une soirée. La présentation multimédia est pertinente pour introduire les auteurs et bien préparer les auditeurs, mais un manque de précision et de coordination gâche un peu certaines des lectures, laissant le public perdu. Détail ridicule, mais tout de même nuisible.

Toutefois, le Studio littéraire est un événement à ne pas manquer. Un véritable rendez-vous avec les comédiens d'ici et leur passion pour la littérature.

MARIE-EVE JACQUES

«Studio littéraire«

Artistes variés

Cinquième Salle de la Place des Arts

Du 27 octobre 2008 au 4 mai 2009

http://www.laplacedesarts.com/

Si tu veux être mon amie

2009-02-03T19:00:00.000-08:00

Lorsqu’elle entend parler en boucle d’un tragique événement, l’oreille en vient à ne plus entendre. À trop se faire parler d’horreur, elle préfère se conforter dans son quotidien rassurant. On la comprend. Et pourtant…

Le conflit israélo-palestinien fait rage depuis déjà trop longtemps et rares sont les journées qui passent sans qu’un incident ne se produise dans ce petit coin du monde. Sommes-nous rendus indifférents à cette violence à force d’en être des témoins à distance? La compagnie de théâtre Les nuages en pantalons fait le pari que non.

D’abord présentée au théâtre jeunesse Les Gros Becs en 2006, c’est au théâtre Périscope que cette sympathique troupe d’artistes a installé ses pénates depuis la mi-janvier, le temps d’une dizaine de représentations de son spectacle «Si tu veux être mon amie». Traitant de la relation épistolaire de deux jeunes filles de 12 et 13 ans, l’une palestinienne, l’autre israélienne, cette remarquable œuvre présente les visions parfois opposées, parfois complémentaires, de préadolescentes rêvant d’une même chose : la liberté. Avec candeur et passion, les fillettes que nous voyons grandir sous nos yeux s’exposent et jamais le spectateur ne prend parti pour l’une ou l’autre; l’équipe de création ayant pris soin de ne pas suggérer un point de vue mais bien de montrer les deux facettes de leur triste réalité.

Raconté avec simplicité, parsemé de chorégraphies appuyant la légèreté ou la gravité d’une scène, avec des accessoires aussi simples que des roches et des bottes de soldats pour simuler l’Intifada, «Si tu veux être mon amie» ne nous rabat pas les oreilles avec les horreurs de la guerre mais nous fait plutôt comprendre qu’un point de vue ne peut être valable sans son opposé, ce que nous semblons avoir oublié de nos jours.

«Si tu veux être mon amie» ne dénonce pas avec férocité mais a sans contredit l’effet de nous remettre en question par rapport à notre trop grande ignorance. Loin de se sentir moralisés, petits et grands se sentiront concernés par ce texte facile d’approche, cette pièce coup de poing et certainement coup de cœur…

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Si tu veux être mon amie»
Avec Éva Saïda, Klervi Thienpont,

Olivier Normand & Jean-Philippe Joubert
Texte de Litsa Boudalika à partir de lettres authentiques
Mise en scène de Jean-Philippe Joubert
Théâtre Périscope

Du 13 au 31 janvier 2009

Le Complexe de Thénardier

2009-02-03T18:53:00.000-08:00

Il existe une lourdeur dans «Le complexe de Thénardier» présenté à l’Espace Go, après une tournée en France et en Belgique. Une lourdeur provenant d’une histoire fort simple mais pesante d’humanité. Une véritable démonstration de notre interdépendance humaine, de notre fragile besoin de l’autre.

Le metteur en scène Denis Marleau se plonge une seconde fois dans l’univers de l’auteur béninois José Pliya en s’attaquant au tableau d’une relation maître-esclave. Vido est recueillie chez la Mère durant la guerre afin de se cacher. Tranquillement, la Mère la transforme en cuisinière, femme de ménage et nourrice pour ses deux enfants. Quelques années plus tard, Vido veut voir le monde mais la Mère ne voit pas les choses de la même façon. Par un terrible jeu de pouvoir et la violence des mots, elle s’appliquera à jouer sur les sentiments et les pauvres défenses de Vido afin de garder cette jeune adulte devenue esclave auprès d’elle. Or, les plus forts se révèlent souvent porteurs des plus grandes faiblesses…

Christiane Pasquier, alias la Mère, s’affiche comme un véritable monument, une actrice dont le talent et l’expérience ne sont plus à prouver. Elle offre une justesse de jeu à faire frissonner et parvient à ramener l’attention du spectateur qui parfois s’égare dans ses pensées à cause de l’évolution très lente de l’histoire. De nombreuses répétitions dans le texte, basées sur les supplications de Vido, font stagner l’histoire et engourdissent le spectateur.

Néanmoins, la richesse du jeu de Pasquier est un trésor québécois que nous n’avons malheureusement pas la chance de voir souvent sur les planches des théâtres. Bien que «Le complexe de Thénardier» ne soit pas un coup de cœur, la performance de Christiane Pasquier est certes un fort souvenir qui restera ancré longtemps.

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Le Complexe de Thénardier»

Avec Christiane Pasquier et Murielle Legrand

Texte de José Pliya

Mise en scène de Denis Marleau

Espace Go

Du 20 janvier au 14 février 2009

Provincetown Playhouse, 19 juillet 1919, j'avais 19 ans

2009-01-26T14:50:00.000-08:00

C’est assaillie par une perplexité déconcertante que je suis sortie du théâtre d’Aujourd’hui après une représentation de «Provincetown Playhouse, juillet 1919, j’avais 19 ans». Un phénomène, cette pièce? Certes. De l’innovation? Assurément. Un coup de cœur? J’émets un doute.

Carole Nadeau, metteure en scène de la compagnie Pont Bridge qui fait dans le multimédia au théâtre, nous entraîne dans une dimension parallèle avec des éclairages, des miroirs, des sons, des bruits. Bien que l’histoire en soi amène déjà son lot de frayeur, l’équipe du Pont Bridge complète le tableau grâce a des installations scéniques, rajoutant au climat de peur. Grâce aux effets créés, Mme Nadeau provoque un sentiment de cloisonnement venant servir le texte de Normand Chaurette. Or, peut-être y avait-il «trop» d’effets visuels et que cela brouillait un brin la brillance de l‘histoire...

Les mots de Chaurette sont sans contredit d’une incroyable intensité et entraînent le spectateur dans un film d’horreur alors que 3 jeunes comédiens sont condamnés pour avoir procédé à l’immolation de la beauté en sacrifiant un enfant.

Malgré toutes ces bonnes idées, au terme du spectacle, je ne peux que me sentir perplexe face à cette représentation me laissant tiède. Même les spectateurs ont hésité à applaudir. Manquait-il un élément pour gagner le public ou l’avant-gardisme de la représentation jouait-il contre elle?

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Provincetown Playhouse, 19 juillet 1919, j'avais 19 ans»

Avec Martin Bélanger, Christian Brisson-Dargis,

Benoît Drouin-Germain, Éric Forget et Xavier Malo
Texte de Normand Chaurette

Mise en scène de Carole Nadeau

Théâtre d'Aujourd'hui

Du 13 au 31 janvier 2009

Oz, théâtre enchanté

2009-01-26T14:42:00.000-08:00

Première expérience à la Maison Théâtre : un délice! La Maison Théâtre est un lieu de rêve, une destination aventure où l’on est certain de trouver le bonheur. Bien que destiné prioritairement aux tout petits, le théâtre de la rue Ontario ouvre ses portes à tous ceux dont la tête permet encore à l’imagination de vagabonder.

C’est donc le cœur léger, voire «la paix dans l’âme!», que j’ai franchi les portes de ce superbe bâtiment pouvant se vanter d’avoir une des plus belles salles de spectacle de Montréal. Tout est pensé pour l’enfant, de la salle et son inclinaison pour permettre à tous de voir, jusqu’au coin lecture où l’enfant pour venir se délecter d’une histoire avant la représentation.

Après avoir été charmée par les lieux, c’était au tour de la pièce «Oz, théâtre enchanté» de me mettre un sourire au visage. Adaptation libre du conte du «Magicien d’Oz» de L. Frank Baum, dans une scénographie réduite mais oh combien exploitée au maximum, les comédiens Marie-Thé Morin et Pier Rodin s’arment d’une guitare, de leurs voix, d’ingénieuses marionnettes et de leur talent pour maintenir l’attention des petits comme des grands durant tout le spectacle. Un bonbon dégusté avec enthousiasme et un ravissement augmentant au gré des rires des jeunes spectateurs.

Pour une évasion du quotidien, un relâchement des neurones et l’assurance de vivre un véritable moment d’émerveillement, la Maison Théâtre est définitivement un plaisir à s’offrir, peu importe l’âge!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Oz, théâtre enchanté»

Avec Marie-Thé Morin et Pier Rodier

Mise en scène de Piet Rodier et Pierre Simpson

Maison Théâtre

Du 7 au 25 janvier 2009

Symbioses

2009-01-26T08:07:00.000-08:00

Le théâtre Premier Acte, véritable tremplin pour la création, joue audacieusement en permettant à de jeunes créateurs de Québec de mettre en scène le texte bien particulier de Jocelyn Pelletier : «Symbioses». C’est une bien étrange histoire que Lucien Ratio et Jocelyn Pelletier racontent ces temps-ci au théâtre intimiste de la rue Salaberry. «Symbioses», c’est deux vies qui semblent en tout point opposées mais qui se trouveront une finalité commune au bout d’une heure et quart de théâtre.

Les deux comédiens sur scène limitent au maximum leurs déplacements, leurs mouvements corporels de sorte que tout est dans la voix et tout passe par les yeux. Mise en scène simpliste qui, parfois, pousse à se demander si les comédiens ne font pas que raconter machinalement une histoire au lieu de la vivre… Bien que ce soit une façon originale d’approcher une œuvre, quelques petits clichés truffaient le parcours et je sentais les fourmis me monter dans les jambes en attendant une apogée, une émotion forte.

Ces moments qui changeaient du presque stoïcisme des visages des comédiens sont survenus à quelques courtes reprises alors que les projections vidéos d’Eliot Laprise et les ambiances sonores de Millimetrik ajoutaient une certaine violence au texte de Pelletier. Sans en abuser ni nous agacer par quelques fugaces apparitions, le multimédia était utilisé ici de façon adéquate et complémentaire à la représentation.

Bref, sans passer à l’histoire, «Symbioses» fait certainement d’intéressantes propositions et l’équipe promet de chouettes découvertes pour les années à venir. À suivre!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Symbioses»

Avec Lucien Ratio et Jocelyn Pelletier

Texte de Jocelyn Pelletier

Mise en scène d'Olivier Lépine

Théâtre Premier Acte

Du 20 au 31 janvier 2009

La femme française et les étoiles

2009-01-20T06:48:00.000-08:00

Une femme fait la récapitulation de certains souvenirs et anecdotes d’il y a plus d’une trentaine d’années. Passant à travers plusieurs histoires d’amours farfelues, étranges et charnelles, on assiste à la confrontation entre la pensée, la raison et l’émotion de la protagoniste.

La symbiose entre l’interprétation théâtrale de Louise Marleau et la prestation de Pau Bachero, à titre de mime, est au cœur de « La femme française et les étoiles ». Dès le début de la pièce, on ne peut s’empêcher d’apprécier l’ingéniosité et l’esthétisme de la mise en scène. Elle apporte une perspective du mouvement qui s’avère franchement intéressante, particulièrement en ce qui concerne l’exécution de la mimographie. De plus, la création sonore incongrue introduit brutalement une ambiance surréaliste.

« La femme française et les étoiles » est une pièce aux textes complexes qui semble viser un public davantage élitiste. Même si, à quelques reprises, le jeu et les mimes viennent alléger la lourdeur des textes, on peut rapidement perdre le fil entre la chronologie des souvenirs et les états psychologiques des personnages. Sans être choqué, les quelques épisodes de vulgarités sexuelles de la pièce n’enrichissent pas particulièrement le déroulement de la réflexion de la femme.

Une œuvre esthétiquement irréprochable, au contenu complexe et abstrait, pour les fervents amateurs de théâtre qui souhaitent goûter à l’incontestable performance de Louise Marleau et Pau Bachero.

PATRICE OUIMET

«La femme française et les étoiles»

Maîtrise d'oeuvre de Jean Asselin et Marie Lefebvre

Espace Libre

13 janvier au 7 février 2009

This is What Happens Next

2009-01-15T08:26:00.000-08:00

C’est à Montréal que Daniel MacIvor et Daniel Brooks ont décidé de présenter en première mondiale, leur toute nouvelle création, "This is What Happens Next". Cette collaboration, entraîne le public, majoritairement très jeune, dans une série de monologues surprenants, humoristiques, voire provocateurs, sous les thèmes de l’égocentrisme, de l’amour et des relations interpersonnelles. Une pièce actuelle, qui nous charme dès les premières minutes et ne cesse de nous faire rire et réfléchir sur nos valeurs à « consommation rapide ».

Daniel MacIvor s’offre un défi d’interprétation des plus impressionnants, avec une série de personnages, allant de l’avocat à l’astrologue, en passant par le père absent et l’enfant. Le jeu est sublime, mais il en résulte quelquefois une identification difficile, en l’absence de costume et de décor. La différenciation est facilitée avec le nom de chacun en arrière-plan, mais l’histoire de chacun devient entremêlée. La qualité du spectacle n’est en rien diminuée, Daniel MacIvor charmant les spectateurs au moindre mot.

Il est essentiel de mentionner la qualité des éclairages de Kimberley Purtell, personnifiant et clarifier chaque monologue. De plus, les effets sonores de Richard Feren, jouant avec les propos du comédien, ramènent sans cesse le spectateur en complicité avec lui et sont plus que pertinents. "This is What Happens Next" est véritablement une œuvre contribuant à la réputation de qualité du théâtre canadien.

MARIE-EVE JACQUES

«This is What Happens Next»

par Daniel MacIvor et Daniel Brooks

Usine C

14 au 17 janvier 2009

Faits pour s'aimer

2009-01-14T13:18:00.000-08:00

En cette fin d’année 2008, le théâtre Jean-Duceppe présente une tordante comédie romantique dans laquelle est démontré qu’il existe des fous pour croire à n’importe quelle folie.

Suzy est spontanée. D’une folle spontanéité à vrai dire. Victime de sa propre folie? On ne saurait dire. Suzy est convaincue que Vito est l’homme de sa vie. Une fois le choc du coup de foudre passé, elle ne démord pas : il est ce qu’il lui faut, elle est ce dont il a besoin. Cette envie démesurée d’un homme, de CET homme, poussera l’électrisante Suzy à retenir l’impeccable Vito dans son appartement, le temps d’une tempête de neige. Deux êtres aussi drastiquement opposés peuvent-ils être faits pour s’aimer? À première vue, non. Or, à force de subterfuges, Suzy nous convainc, se convainc et convainc Vito que leur rencontre était écrite dans le ciel.

Adaptée par l’énergique Danielle Proulx et dans un décor coloré signé Marc Senécal, Proulx et son acolyte Henri Chassé, offrent deux heures délectables de rebondissements, de rires à gorge déployée et de réflexion sur l’amour, autant homme-femme que père-fils. «Faits pour s’aimer» est un véritable baume sur le cœur de tous ceux croyant encore au coup de foudre!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Faits pour s’aimer»
Avec Danielle Proulx & Henri Chassé
Mise en scène de Michel Poirier

Théâtre Jean-Duceppe
17 décembre au 7 février 2009

... et autres effets secondaires

2008-12-11T05:02:00.000-08:00

«… et autres effets secondaires» est la vision des finissants du Conservatoire d’art dramatique de Québec sur la schizophrénie. Création dont l’écriture a été entamée l’an passé, ce spectacle est le fruit d’une réflexion sur les effets de cette maladie du cerveau autant sur l’humain qui en souffre que sur ceux qui l’entourent.

À la fois ludique et sérieux, «… et autres effets secondaires» dépeint la division de l’être que subissent les schizophrènes. On suit les déboires de Benoît qui a une vive obsession des femmes, d’une en particulier, qu’il cherchera en s’enfonçant toujours plus loin dans sa tête.

Traiter de cette maladie est risqué. Il est en effet facile de tomber dans le mélodrame, dans la caricature. Les étudiants du Conservatoire réussissent cependant à jouer avec les mots et les situations de façon à alléger le spectacle. Pas de grande morale, juste une histoire sincère. Le tout est un peu alourdi par les nombreux déplacements de chaises et de tables qui, à eux seuls, transforment le décor.

Bien que toujours en apprentissage, les finissants du Conservatoire d’art dramatique de Québec démontrent déjà un énorme talent. Surveillez ces jeunes pousses, elles fleuriront bientôt sur les planches des théâtres d’ici!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

Avec Jean-Pierre Cloutier, Matthew Fournier, Marc Auger Gosselin, Catherine Hugues, Joëlle Bourdon, Jean-Philippe Debien, Myriam Huard, Hubert Bolduc, Lorie Caron & Stéphanie Perreault.
Texte original des comédiens
Mise en scène de Marie-Josée Bastien

Théâtre du Conservatoire

7 au 14 décembre 2008

La Complainte de Dulcinée

2008-12-09T16:02:00.000-08:00

Dulcinée Langfelder est reconnue comme une artiste complète en jeu, danse, chant, mime et conte. Et chaque fois, elle frappe sur la condition humaine avec ses propos tragi-comiques et son ironie assumée. La Complainte de Dulcinée, présentée à l’Espace Go, poursuit ce fil conducteur, habillant le rôle de Dulcinea, la muse jamais rencontrée du grand Don Quichotte de Cervantès. L’amoureuse parle, rencontre son amant et ce, à travers l’Histoire de l’humanité. Idée fort intéressante, quoique parfois complexe.

Ce spectacle d’une heure vingt minutes présente Dulcinée Langfelder, accompagnée de ses quatre techniciens multidisciplinaires, qui jouent eux aussi la comédie et se laissent même tenter par les numéros de chant. Ces derniers amènent une toute autre réalité à la pièce, rappelant bien que la fiction est reine. Les prouesses de l’artiste principale sont innombrables et incessantes. Impressionnant mais incohérent. En effet, malgré tout le talent scénique, le public se retrouve face à différents tableaux qui n’ont de lien que par le personnage. Toutefois, la variété est grandement considérable, passant d’une chorégraphie contemporaine à une caricature de reportage télévisé. Diverti, le public est cependant laissé à lui-même, et tente de comprendre l’histoire, si unique soit-elle.

Malgré cette faiblesse, Dulcinée Langfelder remplit bien le mandat qu’elle s’est donnée, soit de divertir. Les moyens techniques et multimédias sont remarquables et valent le coup. Bref, La Complainte de Dulcinée est une œuvre qui rend mal sa simplicité annoncée, mais nous fait passer une agréable soirée.

MARIE-EVE JACQUES

«La Complainte de Dulcinée»
De Dulcinée Langfelder & Cie
Espace Go
4 au 14 décembre 2008

Contes Urbains

2008-12-04T10:10:00.000-08:00

Les contes urbains de la Licorne font jaser depuis déjà 16 années. 16 années durant lesquelles un public de fidèles auquel s’est joint une bande d’initiés ont découvert une multitude de différents textes d’auteurs, interprétés par une panoplie de comédiens au registre varié. Un moment unique où le spectateur se sent privilégié de se faire raconter des histoires, comme papa et maman le faisaient si bien avant le dodo. Cependant, les histoires jouées dans le théâtre intimiste de la rue Papineau ne sont pas des aventures conduisant à un doux sommeil…

Le fil connecteur est Montréal en hiver, thème duquel les écrivains devaient s’inspirer pour créer des nouvelles, des historiettes, des moments de rire ou de pleur pour un public très ouvert. Autre similarité retrouvée dans les sept tableaux? La langue, une langue accessible, parfois vulgaire mais toujours franche. On ne met pas de dentelles, on veut simplement accrocher l’oreille en contant des histoires. Malgré les petits accros des comédiens dans les différents textes qui rappellent l’acte théâtral en cours, on plonge à en oublier toute notion du temps. Pour une 16e année consécutive, le concept de joindre un auteur à un comédien, chapeauté par un metteur en conte est définitivement défi relevé!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

Avec Joël Marin, David Boutin, Sébastien René, Linda Roy, Emmanuel Schwartz, Marie-Ève Perron et Didier Lucien
Textes de Yvan Bienvenue, Josée Bilodeau, André Ducharme, Danette Mackay, Greg MacArthur, Marie-Ève Perron et Harry Standjofski
La Licorne
2 au 20 décembre 2008

2008 Revue et Corrigée

2008-12-04T10:02:00.000-08:00

Les Jeux olympiques de Pékin? Le 400e anniversaire de Québec? L’affaire Bernier-Couillard? Les coupes dans la culture? Si cela ne sonne pas une cloche, c’est que vous étiez partout sauf au Québec cette année. Le théâtre du Rideau Vert vous offre cependant la chance de vous rattraper dans la connaissance des dossiers chauds de 2008 grâce à son hilarante revue annuelle présentée jusqu’au 15 janvier 2009.

Comédiens, imitateurs, chanteurs, danseurs : la polyvalence même s’expose devant les yeux amusés des spectateurs. Une quarantaine de sketchs variant de 2 à 8 minutes défilent à un rythme effréné alors que Marie Carmen, les événements de Montréal-Nord, Fabienne Larouche, les chefs des partis politiques québécois et l’infatigable Denise Bombardier viennent faire leur tour, réclamant leur moment de gloire. Constamment à l’affût des derniers événements médiatisés, le metteur en scène Joël Legendre se laisse la possibilité de modifier ou d’ajouter des numéros à son spectacle.

Des fleurs se doivent d’être lancées à la talentueuse Véronique Claveau dont la voix se méprend à celle de la grande Céline et dont l’attitude est à pleurer de rire. Celle qui s’est fait remarquer après son passage à Star Académie revendique maintenant sa place sur les planches des théâtres québécois et c’est avec plaisir que les spectateurs l’accueillent.

Pour un point de vue ludique sur les élections américaines, la crise économique mondiale et la libération d’Ingrid Bétancourt, joignez-vous au cirque théâtral de «2008 Revue et Corrigée»!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

Avec Véronique Claveau, Tammy Verge, Benoit Paquette, Suzanne Champagne, René Rousseau & Marc St-Martin
Texte de Pascal Barriault, Charles Gaudreau, Daniel Langlois, Nathalie Lecompte, Luc Michaud, Claude Montmini
Mise en scène de Joël Legendre
Théâtre du Rideau Vert
Jusqu'au 15 janvier 2009

Les Pêcheurs de perles

2008-11-24T12:40:00.000-08:00

Ayant la réputation d’élitiste, l’Opéra de Montréal met en place diverses stratégies afin de rejoindre un public plus large et surtout, plus jeune. Cet automne, l’organisme a réussi avec brio en présentant les Pêcheurs de perles de Bizet. Une tragédie simple, un triangle amoureux, comme l’on en voit souvent à l’opéra. Toutefois, le succès est dans la mise en scène et la présentation esthétique.

D’abord, le spectateur est introduit dès la première scène à un univers oriental, devant un décor des plus impressionnants et colorés. Des immenses palmiers surréalistes, de nombreux artistes chantant, riant et dansant. Durant les trois actes que dure la représentation, un monde incroyable rappelant les contes des mille et une nuits emmitoufle le public, impressionné devant cette myriade de couleurs chaudes.

L’accessibilité de l’œuvre est non seulement dans l’esthétisme, mais aussi dans la multidisciplinarité. En effet, en plus des chanteurs vedettes, une dizaine de danseurs professionnels enrichissent le spectacle, avec des chorégraphies simples, énergiques et appropriées. Les Pêcheurs de perles est une pièce où, malgré la tragédie, l’ambiance est à la fête et à l’exotisme. Un spectacle facilement accessible pour un nouveau public, curieux et avide d’art classique.

MARIE-EVE JACQUES

«Les Pêcheurs de perles»

Avec Karina Gauvin, Antonio Figueroa, Phillip Addis & Alexandre Sylvestre

Mise en scène d'Andrew Sinclair

Jusqu'au 13 novembre 2008

Le Petit Chaperon Rouge

2008-11-20T10:24:00.000-08:00

Pour sa 10e édition, les Coups de théâtre ont cogné fort en lançant le festival avec Le Petit Chaperon Rouge de la compagnie française Louis Brouillard. Avec trois acteurs et deux chaises, Joël Pommerat nous offre une relecture fort intéressante du conte de Perreault.

La fillette ayant peuplé nos histoires de jeunesse nous apparaît dans un cadre contemporain à souhait où on découvre sa grande solitude face à sa grand-maman malade et sa maman éreintée et trop occupée pour apercevoir la douce détresse et le manque d’affection de sa fille. Nous plongeons dans cette version fort proche d’une réalité actuelle grâce à un narrateur désinvolte et ironique qui crée un décalage humoristique avec l’action se déroulant sur scène.

La pièce nous parle de la peur du danger et de la fascination que nous entretenons par rapport à ce sentiment. Le rythme exalté de la pièce et la trame sonore supportent un climat de tension incroyable. Chapeau aux brillants jeux d’ombres et de lumière permettant de faire croire à la présence d’un véritable loup sur scène.

Le Petit Chaperon Rouge de Pommerat resplendit donc par sa simplicité et permet un joyeux retour en enfance avec de ludiques clins d’œil à notre présent effréné.

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«Le Petit Chaperon Rouge»
Avec Ludovic Molière, Isabelle Rivoal & Valérie Vinci
Mise en scène & texte de Joël Pommerat
Usine C
17-18 novembre 2008

La Cadette

2008-11-10T20:58:00.000-08:00

La Cadette est une jeune femme atteinte d’une maladie mentale. Une jeunesse qui pèse sur sa famille qui doit jongler avec ses crises de larmes et leur envie de se libérer du poids qu’elle représente. La Cadette évolue dans un univers familial où elle ne peut plus jouer les enfants. Elle décroche volontairement de son personnage atteint de maladie mentale pour s’adresse directement aux spectateurs, comme si son moi intérieur lucide et intelligent se révélait, déclenchant souvent un rire à la petite foule pendue à ses lèvres. La vie de cette famille commune prendra un tout nouveau tournant lorsque le Fou y mettra son grain de sel…!

Premier texte solo inspiré de sa propre situation familiale, La Cadette d’Annie Ranger est loin de la lamentation ou de la caricature. La brillante comédienne Marilyn Perreault offre une performance athlétique et renversante alors que le metteur en scène Martin Champagne nous emmène dans un univers ou le fantastique et le réalisme se font duel. La joyeuse troupe nous présente le monde de la maladie mentale dans la petite salle Jean-Claude Germain du Théâtre d’Aujourd’hui et nous invite a décidé de l’avenir de ces êtres souffrant d’une maladie encore bien trop méconnus…

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«La Cadette»
Avec Julie Beauchemin, Marilyn Perreault, Marie Cantin, Sylvie Hétu, Claude Tremblay, Phillipe Laperrière
Mise en scène de Martin Champagne
Théâtre d'Aujourd'hui
21 octobre au 8 novembre 2008

La troupe Baladeu'x et son spectacle «DOUBLE TOUR»

2008-11-08T07:34:00.000-08:00

Une autre soirée incommensurablement renversante à la cité des arts du cirque. La troupe belge Baladeu’x était présente du 22 au 26 Octobre à la Tohu pour lancer leur nouveau spectacle Double tour en tournée au Québec. Les deux artistes aux multiples talents ont su charmer petits et grands à travers : prouesses de jongleries, danses, acrobaties, mimes, ainsi qu’une brève performance musicale. Parmi toutes ces expressions circassiennes, on peut constater que le duo de Baladeu’x est complètement débordant d’imagination et de créativité.

Un jeune couple d’amoureux qui vit son évolution autour d’une simple porte. La porte se transforme rapidement en véritable délire imaginaire où le couple partage jeux, plaisirs, passions et amour. Communiquant entre eux par le jeu perpétuel qui les anime, le couple « se relance sans cesse la balle » dans les situations de la vie quotidienne. C’est dans une mise en scène simple que l’on apprécie le véritable talent. Quelques éclairages très bien exécutés, une riche trame musicale et un décor (la porte) ingénieusement utilisé. La simplicité du spectacle est réellement surprenante, on se demande même comment arrive-t-il à nous transporter si loin avec si peu ?

La simplicité de Baladeu’x est certainement l’aspect qui rend le spectacle aussi touchant; prendre la vie à la légère, au moment présent, au jeu. Une courte épopée de tendresse qui offre une belle philosophie de vie, adoptée à Double Tour.

PATRICE OUIMET

«Double Tour»
Avec la Troupe Baladeu'x
Site internet de Baladeu'x

Eddy F. de Pute

2008-10-29T13:38:00.000-07:00

Une maison fragile. Du gazon synthétique. Six jeunes. Assis, observant le public, attendant… Tout est prêt. Eddy F. de pute commence…

Eddy, adolescent en quête de vérité, après la mort de sa mère. Il quitte sa sœur et son père, fait face à la dure réalité en rencontrant un itinérant, une pute et un proxénète. La vérité est près de lui, mais la douleur et l’ambition de devenir un homme l’empêche de voir. Sa sœur cherche elle aussi, mais l’indépendance de son frère la laisse fragile. Puis, leur père : enragé, violent, atterré…

Le texte de Jérôme Robart est mis en scène par Fabien Fauteux, récemment diplômé de l’École supérieure de théâtre de l’UQÀM, dans une transposition du mythe d’Œdipe très crue, furieuse, voire « trash ». Les six jeunes acteurs se partagent non seulement la scène, mais les rôles. En effet, les personnages sont identifiés par un accessoire commun et sont joués différemment.

La compagnie UNThéâtre ose et provoque un public connaisseur. Eddy F. de pute n’est définitivement pas pour les âmes sensibles, ni les néophytes. Toutefois, c’est une belle occasion de voir à l’œuvre les jeunes créateurs.

MARIE-EVE JACQUES

«Eddy F. de pute»
Mise en scène de Fabien Fauteux
Théâtre Prospero
14 octobre au 1 novembre

Basso Ostinato

2008-10-08T11:29:00.000-07:00

La compagnie Caterina Sagna est de retour à Montréal avec le spectacle Basso Ostinato et les danseurs Alessandro Bernardeschi, Antonio Montanile et Mauro Paccagnella. Deux hommes se retrouvent autour d'une table, discutant et ridiculisant le ballet diffusé à la télévision. La soirée s'annonce arrosée, les bouteilles d'alcool s'entassant progressivement. Rapidement, la télévision est remplacée par un troisième homme. Les conversations s'enflamment, se répètent. L'alcool fait son effet. Les discours sont confus, répétitifs. Les danseurs s'engouffrent lentement dans leur désespoir et se réfugient dans l'alcool qui devient leur prison illusoire. Le tout est de plus en plus complexe, violent, déchirant et confus.

Les danseurs sont d'une force et d'une précision remarquables. Leur fougue saisit le spectateur, qui tente de suivre leur chute, mais se retrouve souvent face aux interrogations sur les intentions de la chorégraphe. Toutefois, il est facile de se laisser embarquer par cette folie destructrice, grâce à l'humour allègeant, les textes évoluant dans la simplicité et surtout, les personnages attachants et sensibles.

Basso Ostinato est une belle introduction pour les initiés de la danse contemporaine, principalement en raison du côté théâtral auquel le public est plus familier. Définitivement, en sortant de la Cinquième Salle de la Place des Arts, on ne peut que se sentir bien, en ne saisissant toutefois pas ce qui nous a touché à ce point. Il faut croire que le subconscient en comprend beaucoup plus que nous le croyons !

MARIE-EVE JACQUES

«Basso Ostinato»

de la Compagnie Caterina Sagna
Cinquième Salle de la Place des Arts

1 au 4 octobre 2008

La Fanciulla del West

2008-10-07T15:44:00.000-07:00

Opéra de style américain, «La Fanciulla del West» de Puccini nous ramène au temps des cow-boys et de la ruée vers l’or. Minnie est la jolie tenancière du Polka, bar où les chercheurs d’or viennent boire, jouer et tenter de s’attirer les faveurs de la belle de la place. Bien malgré elle, Minnie se retrouve au centre d’un triangle amoureux dans lequel le shérif Jack Rance et le bandit Dick Johnson tentent de lui soutirer un ultime baiser. Le destin des trois se règlera lors d’une partie de poker décisive.

La musique est fort impressionnante et là-dessus, la chef d’orchestre Keri-Lynn Wilson mérite que nous lui levions notre chapeau. Il faut également souligner la mise en scène simple mais à la fois impressionnante lorsque tous les protagonistes se retrouvent sur scène. Coordonné autant de comédiens et chanteurs est un travail fort bien réussi par Thaddeus Strassberger. Cependant, nous avons l’impression d’assister à un «soap» américain avec tout ce que cela implique : répliques sans corps ni chair et expressions démesurément dramatiques. L’histoire est simple à souhait, voir versant dans le «quétaine».

Cela nous amène à nous questionner sur notre vision de l’opéra. Peut-être sommes-nous encore trop «vierge» d’opéra pour apprécier cet art à sa juste valeur? Nos références culturelles ne nous permettent peut-être pas de ressentir la profondeur des sentiments révélés par Minnie, Jack et Dick. Est-ce la raison pour laquelle cette pièce nous tirait davantage des rires que des larmes? La génération Y serait-elle trop «pressée» pour se laisser emporter dans le développement lent d’un opéra?

Qu’à cela ne tienne, c’est avec enthousiasme que l’équipe de Scène à Scène s’engage à assister à la prochaine production de l’Opéra de Montréal afin de s’outiller davantage pour mieux comprendre et critiquer cet art lyrique!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

«La Fanciulla del West» de Puccini
Avec Susan Patterson, Julian Gavin, Luis Ledesma et Kristopher Irmiter
Mise en scène de Thaddeus Strassberger
Opéra de Montréal
20-24-27-29 septembre & 2 octobre 2008

La vie devant soi

2008-10-06T14:05:00.001-07:00

Madame Rosa, ancienne prostituée, femme de cœur et de corps, recueille le petit arabe Momo chez elle. Au fil des années, une complicité sans borne s’installe entre les deux personnages. Un amour inconditionnel naît, alimenté par l’innocence de l’enfance et l’expérience de la vieillesse. À travers les commentaires loufoques et naïfs du petit Momo, nous réfléchissons sur les différences sociales et sur les liens serrés qui peuvent se tisser entre des mondes opposés.

Catherine Bégin offre une prestation complètement renversante basée sur les dualités de son personnage, alors qu’elle livre une Madame Rosa dès plus charmante. Quant au jeune Aliocha Schneider, seulement âgé de 15 ans, il se taille rapidement une place dans le firmament des grands acteurs. Son jeune âge est loin d’être une entrave à la justesse de son jeu. Gardez son nom en tête!

Dans toute cette effervescence de talent, une petit ombre s’ajoute au tableau : les transitions entre les multiples scènes se font dans un noir qui s’étire et impatiente. Cette attente en vaut cependant la peine car nous retrouvons chaque fois plus d’humanité et de sensibilité dans les personnages. «La vie devant soi» est ainsi une belle réflexion sur une société bourrée de préjugés et un amour sans borne vivant malgré ces barrières sociales.

ANDRÉE-ANNE BRUNET

"La vie devant soi"
Avec Catherine Bégin, Aliocha Schneider, Pascal Rollin & Marco Ramirez
Mise en scène de Louise Marleau

Théâtre du Rideau Vert

du 23 septembre au 18 octobre 2008

ORGUE ET COULEURS invite l'OM

2008-10-05T08:27:00.000-07:00

C’est dans la magnifique architecture de l’église Saint-Nom de Jésus dans le quartier Hochelaga Maisonneuve que j’ai assisté au grand concert d’ouverture du 10e festival d’automne d’Orgue et couleurs. Rien de moins que L’Orchestre Métropolitain du Grand Montréal et son chef Yannick Nézet Séguin pour introduire le festival. Tout d’abord, soulignons que le festival d’Orgue et couleurs est une formule innovante qui démocratise et colore la musique depuis ses débuts. L’organisme culturel à but non lucratif s’était donné pour mission : le partage de ses passions, la musique et l’orgue, avec tous les publics de l’est de Montréal. Aujourd’hui, le succès du festival rayonne sur toute la grande région métropolitaine.

Le spectacle a été introduit par une interprétation contemporaine d’orgue accompagné d’un ingénieux agencement de cuivres. Vibration, ambiance et émotion ont été ressentis dès les premières notes. Une grande aventure intellectuelle et émotionnelle en quelques minutes. Une belle découverte d’un instrument qui m’était si peu familier.

Puis Yannick Nézet Séguin et son orchestre ont interprété trois morceaux aux disparités intéressantes : La Valse de Maurice Ravel, un extrait des Nuits d’été d’Hector Berlioz ainsi que les Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgsky. Ce qui est intéressant, c’est qu’avant d’entamer chaque morceau, le Chef partageait avec nous ses connaissances sur l’œuvre et nous proposait une vision en image en relation avec la musique. J’ai particulièrement apprécié cette approche, surtout parce que l’on tentait de démocratiser la musique classique.

Globalement, le concert fut un parcours débordant de saveurs et de couleurs éclatantes. Du rythme, des ambiances mystérieuses et des réflexions intéressantes. J’ai particulièrement apprécié l’œuvre de Moussorgsky, une interprétation très imagée et touchante à travers une sonorité riche.

Le festival d’Orgue et couleurs, une richesse culturelle à découvrir. Grâce à toute sa myriade d’activité, on peut aisément découvrir des nouveautés colorées et peut-être même une nouvelle passion pour la musique ?

PATRICE OUIMET

Allez découvrir ORGUE ET COULEURS
http://www.orgueetcouleurs.com

Halpern et Johnson

2008-09-30T18:01:00.000-07:00

En bref, Halpern et Johnson sont deux hommes liés davantage qu’il n’y parait. En fait, ils ont aimé la même femme leur vie entière. Leur rencontre à l’enterrement de cette dernière semble complètement absurde. Lorsqu’ils découvrent qu’ils chérissent la douce mémoire d’un même être disparu, leur réaction s’oppose. L’un, doux comme un agneau, veut se livrer. L’autre, rude et sec, refuse de croire qu’un autre homme ai pu partager la vie de son épouse. Léger, comique et dramatique à la fois, Halpern et Johnson illustrent la passion d’aimer et la magie de la vie.

Malheureusement, la pièce ne rejoint pas les 25 ans et moins. On esquisse un sourire, on rit à quelques blagues mais on n’est pas touché au cœur. Cette histoire semble d’une autre génération. Somme toute, les plus vieux y verront des références à leur propre vie alors que les plus jeunes verront deux «grands-papas» nostalgiques sur scène. Est-ce suffisant pour vous intéresser?

ANDRÉE-ANNE BRUNET

"Halpern et Johnson"

Avec Gérard Poirier et François Tassé

Mise en scène de Monique Duceppe

Théâtre Duceppe

du 10 septembre au 18 octobre 2008

La Vie

2008-09-29T21:55:00.000-07:00

C’est avec beaucoup d’enthousiasme que Scène à scène a eu le privilège de passer la soirée à la TOHU, certainement l’une des plus belles infrastructures culturelles au Québec. Le nouveau spectacle de la troupe de cirque les 7 doigts de la main y était présenté en grande primeur. On remarquera l’innovation, dès l’entrée dans la salle, par la présence de DJ Pocket qui a créé une atmosphère musicale et sonore hors du commun. À l’entrée des spectateurs, les artistes étaient déjà dispersés un peu partout dans l’assistance. C’est alors que nous étions déjà dans le bal.

"La Vie" aborde le thème du jugement dernier dans une optique contemporaine. A-t-on des regrets face à notre vie ? Considérons-nous l’importance de la vie au moment présent? Durant 90 minutes, on peut suivre le parcours d’une réflexion philosophique profonde sur la vie à travers le drame, les rires, les acrobaties, la musique et les dialogues percutants des personnages.

Les huit artistes multidisciplinaires incarnent des protagonistes séduisants et extrêmement stylisés. Leur jeu, riche et juste, témoigne d’un grand talent pour plusieurs aspects des arts de la scène. Notamment, Sébastien Soldevila, dans le rôle du maître de cérémonie, qui a donné une performance savoureuse. Il a su séduire le public québécois en quelques minutes…

Sommairement, il s’agit là d’une expérience importante à vivre dans la culture québécoise. Du grand talent, de l’innovation et beaucoup de plaisir sur scène comme dans le public.

PATRICE OUIMET

"La Vie"

par Les Sept doigts de la main

Tohu

du 23 au 27 septembre et 30 septembre 2008

1 au 4 octobre 2008

7 au 11 octobre 2008

Blue Man Group

2008-09-29T21:31:00.000-07:00

Le Centre Bell explosait d’énergie et de rythme jeudi soir. Les percussionnistes bleus et leurs acolytes étaient à Montréal dans le cadre de leur tournée mondiale : « How to be a Megastar World Tour ». Le spectacle a été introduit par David Garibaldi, un peintre qui se distingue par ses portraits qu’il peint en quelques minutes. Après une vingtaine de minutes de création sous la musique rythmée et les encouragements de la foule, David Garibaldi a pondu quatre portraits à l’esthétisme renversant. Une approche des arts visuels que l’on se doit de découvrir.

Blue Man Group a définitivement ravi le public montréalais par sa musique originale, son dynamisme et sa présence sur scène. Ce groupe d’origine new-yorkaise parcourt une grande myriade de genres musicaux depuis déjà 20 ans. Depuis de nombreuses années, on qualifie Blue Man Group comme étant révolutionnaire, musicalement solide et théâtralement impressionnant.

C’est dans une mise en scène extraordinairement complexe que, jeudi soir passé, le spectacle s’est déroulé avec une synergie parfaite entre les éclairages, les projections vidéos et la musique. Bombardé d’effets sonores et visuels ingénieux, le jeu des trois musiciens bleus est définitivement au cœur du spectacle. Leurs mimes, expressions et attitudes sont si explicites que l’usage de la parole leur est complètement inutile. Faisant participer le public tout au long du spectacle, Blue Man Group a créé un lien particulier avec la foule qui l’a d’ailleurs démontré par sa grande satisfaction.

Bref, un spectacle qui passionnera certainement les grands amateurs de musiques comme les néophytes.

PATRICE OUIMET

Blue Man Group

Centre Bell

25 septembre 2008

Wave

2008-09-28T12:15:00.000-07:00

Cet automne, le chorégraphe Sylvain Émard présente le dernier volet de sa "Climatologie des corps" à l'Usine C. Un spectacle traitant de l'environnement influençant les corps, souvent victimes des transformations extérieures. Un éclairage et une trame sonore saccadés, voire agressifs, qui ne peuvent laisser le spectateur indifférent.

Une chorégraphie exigeante, quoique quelque peu répétitive. Les cinq danseuses ont toutefois relevé le défi avec brio. Un spectacle physique où les points de repère se font rares. Le public est charmé et ne peut qu'admirer ces artistes qui, durant un peu plus d'une heure, honorent le travail et la créativité de Sylvain Émard. Ce dernier a plus d'une quinzaine de créations à son actif, lui ayant mérité de nombreux prix au cours de sa carrière. Il revient d'ailleurs d'Italie, où il a collaboré avec Robert Lepage, pour l'opéra "1984".

Enfin, les amants de la danse contemporaine ne seront pas déçus du dernier volet de la trilogie de Sylvain Émard. Toutefois, les initiés risquent d'en sortir légèrement étourdis par la chorégraphie bien distinctive et fidèle à son créateur. "Wave" est un spectacle exigeant, physique et bien ancré dans la réalité d'aujourd'hui.

MARIE-EVE JACQUES

"Wave"

Avec Karissa Barry, Sarah Murphy, Erika-Leigh Stirton,

Catherine Viau et Megan Walbaum

Chorégraphie de Sylvain Émard

Usine C

du 9 au 20 septembre 2008

Le Palier

2008-09-26T14:33:00.000-07:00

Une femme d’âge mur et un jeune adulte vivent sur le même étage d’un bloc d’appartements. L’un à la vie devant soi alors que l’autre voit la sienne arriver à son terme. Une rencontre intergénérationnelle tout d’abord peu probable se transforme doucement en amitié. À ce moment-là, difficile de cerner qui veille sur qui. Est-ce si important? Tout ce qui les opposait à prime abord leur permettront de vivre plus intensément et les lieront jusqu’à la mort...

Grâce à un texte et une mise en scène d’une simplicité déconcertante, «Le Palier» permet une belle initiation au monde théâtrale. Pour ceux déjà initiés, on a l’impression de revenir à un théâtre dans lequel le spectateur n’est pas perdu dans les méandres d’un décor à n’en plus finir et des costumes où la dentelle étouffe le jeu du comédien. Et tout ça fait du bien.

Marie-Ginette Guay, dans le rôle de Julie, offre une prestation délectable alors que Lucien Ratio, à peine sortie du Conservatoire d’art dramatique de Québec, relève le défi d’incarner Nicolas avec brio. Bref, un duo étonnant sachant rendre l’ordinaire extraordinaire.

ANDRÉE-ANNE BRUNET

"Le Palier"

Avec Marie-Ginette Guay & Lucien Ratio
Mise en scène de Frédéric Dubois
La Licorne

du 16 septembre au 4 octobre 2008

Oh les beaux jours

2008-09-25T13:30:00.000-07:00

Becket est loin d’être accessible aux gens désirant s’initier à l’art théâtral puisque, bien que porté par des comédiens chevronnés, ses textes sont lourds, lourds de sens, lourds de silence. Et «Oh les beaux jours» ne fait pas exception. Pourtant, la pièce est une réussite grâce à la renversante performance de la magnifique Andrée Lachapelle. Grande dame élégante du théâtre québécois, Mme Lachapelle offre un monologue d’une heure trente et ce, de façon totalement raffinée.

Becket nous présente Winnie, une femme simplette enterrée jusqu’à la taille dans un banc de sable. Elle résiste mais ne cherche pas à se battre. Pourtant, elle refuse de mourir. En fait, elle ne se donne pas le choix. Une femme vivant dans le passé puisqu’elle a compris, sans jamais l’avouer, qu’elle n’a pas d’avenir. Winnie est seule du haut de son monticule, seule avec ses grains de sable témoins des gestes répétitifs qu’elle pose jour après jour pour se donner l’impression de vivre. Elle s’acharne et résiste, lune après lune.

Il y a Willie, son mari qui n’est plus grand-chose. Une loque vivante ayant autrefois aimé. Il est une faible bouée pour Winnie qui, comme seule lumière dans son univers, espère l’entendre grogner à nouveau puisque la parole ne fait plus partie de son répertoire vocal.

Cette pièce souligne le retour d’André Brassard à la mise en scène après un accident cardiovasculaire. Intéressant de constater la façon dont Brassard a utilisé la Winnie de Becket comme thérapie, projetant du même coup un cri au monde entier comme quoi sa lutte est loin d’être finie. Chapeau à Brassard pour oser un retour sur les planches et pour oser s’attaquer à un Becket absurde et à une Winnie plus grande que nature.

Bref, «Oh les beaux jours» est une petite intrusion donc dans ce monde parallèle nous rappelant notre propre acharnement afin de trouver le bonheur à travers une multitude de futilités. Winnie ne fait que nous rappeler notre statut de grain de sable dans cette montagne de minéraux qu’est le monde!

ANDRÉE-ANNE BRUNET

"Oh les beaux jours"

Avec Andrée Lachapelle & Roger Larue
Mise en scène d'André Brassard

Espace Go

du 9 septembre au 11 octobre 2008

King Lear contre-attaque

2008-09-25T13:20:00.000-07:00

Et si des clowns tentaient de comprendre Shakespeare? Et si, avec toute leur maladresse, leur naïveté, leur compréhension au premier degré, ils nous introduisaient à cet univers? Et si, s’empêtrant dans leur bouffonneries, ils mêlaient les différentes histoires mais arrivaient tout de même à nous faire croire que les Othello, Desdémonde, Iago, Hamlet et King Lear du grand Will sont vivants devant nos yeux?

D’abord joué à Québec au théâtre Périscope en 2004, les Productions Préhistoriques proposent à la population montréalaise un rafraîchissement théâtral d’une heure et quart où les références politiques, les jeux de mots et les procédés d’exagération et de répétition en mettent plein la vue.

Aux premiers abords, on croit assister à une pièce montée par des apprentis comédiens cégepiens. Un cow-boy, un chat, un matelot, un cuisiner, une princesse et un homme de Cro-Magnon se bouscule sur scène pour raconter King Lear. On abandonne rapidement l’idée jugée trop complexe. C’est alors qu’un simple mouchoir déclenche les foudres d’Othello. La douce folie opère et à ce moment, on se laisse prendre au jeu et on réalise que seuls des artistes calés en matière clownesque peuvent réussir à nous faire croire à des personnages aussi délurés sans pour autant tomber dans le cliché.

Qui aurait cru que Shakespeare pouvait être léger et drôle?

ANDRÉE-ANNE BRUNET

"King Lear contre-attaque"
Avec Alexia Bürger, Catherine Larochelle, Véronika Makdissi-Warren,

Sophie Martin, Francis Martineau et Alexandra Morais
Mise en scène par Jacques Laroche

Espace Libre

du 28 août au 13 septembre 2008

Bonjour à tous!

2008-09-23T11:42:00.000-07:00

Nous vous souhaitons la bienvenue sur le blogue de l'émission de radio "Scène à scène" en ondes sur Choq.fm tous les jeudis à 14h. Au courant des prochains mois, les chroniqueurs de l'émission publieront ici certaines de leurs chroniques, critiques ou opinions.

Revenez nous voir souvent et n'hésitez pas à nous laisser un mot.